1. Différences entre les attitudes esthétiques générales du baroque et de la Renaissance

Le baroque est l’un des « grands styles » de la culture européenne, qui a prospéré au XVIIe siècle. Le terme « baroque » lui-même a commencé à être utilisé au XIXe siècle, dans des études rétrospectives sur l’art de cette époque. Il existe différentes explications sur l’origine du terme. «On croyait que le nom venait du portugais perola baroca, signifiant une perle précieuse de forme irrégulière, chatoyante et irisée de différentes couleurs de l'arc-en-ciel. Selon la deuxième version, barocco est un syllogisme scolastique complexe. Enfin, la troisième option – baroque signifie mensonge, tromperie. » Épouser. également d'A.V. Mikhailova : « Le mot « baroque » lui-même est lié et confondu avec « l'étrangeté » en tant que phénomène historique et culturel marqué ; Selon les recherches, « baroque », mot à la forme interne fermée à la majorité de ceux qui l'utilisent, naît d'une singulière symbiose de deux mots éloignés dans leur sémantique : « baroque » est également connu depuis le XIIIe siècle. une figure d'un syllogisme conduisant à de fausses conclusions (parmi les conventions des syllogismes de la logique scolastique), et une perle de forme irrégulière (de la langue portugaise)."

L’esthétique baroque diffère à bien des égards de l’esthétique de la Renaissance. D’une certaine manière, on peut aussi la qualifier d’antithèse de l’esthétique de la Renaissance.

1) Les penseurs de la Renaissance considéraient le plus souvent la beauté objectif la dimension de la réalité (les néoplatoniciens voyaient sa source en Dieu, le Monde Unique ; des auteurs comme Alberti et Léonard l'attribuaient à la nature). Dans l'esthétique baroque, l'idée inverse prévalait : la beauté était ici, en général, considérée comme un produit de subjectif rapport au monde, sa source se trouvait dans l’imagination et « l’esprit » de l’artiste.

2) La Renaissance poursuit la lignée d’une esthétique « mathématique » amorcée dans l’Antiquité (prenons comme exemple Léonard avec sa conviction que l’art est la plus haute des sciences et la plus parfaite des philosophies). Le baroque évitait toute « mathématisation » et rationalisation de l’esthétique ; au contraire, ses théoriciens transfèrent souvent l’esthétique dans le domaine de l’irrationnel.

3) Les penseurs de la Renaissance voyaient le but de l’art dans l’élévation de l’esprit et de l’âme de la connaissance relative et partielle à la connaissance absolue, de l’être conditionnel à l’être inconditionnel. Quant aux théoriciens du baroque, l’art est plutôt pour eux une forme d’évasion, une évasion de la réalité ennuyeuse et fanée vers le monde des « rêves », des illusions, des tromperies magnifiques, des affects luxueux. Le réalisme de la Renaissance perd ici sa place et est remplacé par quelque chose comme l'illusionnisme.

Pour comparer la Renaissance et le baroque, il convient de se tourner vers l'ouvrage de Heinrich Wölfflin « Renaissance et baroque ». Ici, deux styles artistiques se juxtaposent de telle manière que le contraste entre les cultures elles-mêmes et les visions du monde qui les sous-tendent est mis en évidence. Par exemple : « La Renaissance est l’art d’une existence belle et paisible. Elle nous donne cette beauté libératrice, qui est perçue comme un certain état général de bien-être, comme une augmentation uniforme de notre pouls vital. Dans ses créations parfaites, nous ne trouvons rien de déprimé ou de contraint, rien d’agité ou d’excité. Au contraire, « le baroque ne donne pas une existence heureuse, son thème est une existence naissante et transitoire qui ne donne pas la paix, est insatisfaite et ne connaît pas la paix. L’ambiance ne se dissipe pas, mais se transforme en un état de tension passionnée. »

En fait, le monde baroque est un monde d’États affectés et « ultimes ». Ici, les frontières entre la réalité et les rêves, la conscience et les choses matérielles (en général, subjectives et objectives), « ce monde » et « l'autre monde » sont presque imperceptibles. « L’homme religieux baroque est attaché au monde parce qu’il a le sentiment d’être emporté, avec le monde, vers la cascade. » Ce sentiment est profond eschatologique Cependant, selon Walter Benjamin, « l'eschatologie baroque n'existe pas », car une grande partie de ce qui appartient au transcendantal, à l'au-delà, est transférée à la réalité terrestre et devient le sujet d'une expérience directe (presque toujours exaltée à la manière catholique) : « L'autre monde est libéré de tout ce en quoi même le souffle le plus léger du monde est présent, et le baroque lui enlève bien des choses qui d'habitude ne se prêtent à aucune articulation, les mettant en lumière dans leur plus haute ascension, dans un langage brut. forme, afin de libérer les derniers cieux et, les transformant en vide, les rendre capables d'engloutir un jour la terre avec une force catastrophique.

Chez Wölfflin, la Renaissance et le baroque s'opposent selon les cinq caractéristiques suivantes : linéarité / pittoresque ; plan/profondeur ; forme fermée / forme ouverte ; unité/multiplicité ; clarté/obscurité. Ces signes peuvent également être perçus comme des caractéristiques symboliques générales de la vision du monde des deux époques, ses principales intentions (c'est à cet égard qu'ils sont importants pour nous). La Renaissance, estime Wölfflin, se caractérise par le graphisme, la plasticité, une définition préliminaire des formes et des limites (ici les lignes suivent comme « le chemin du regard et le professeur de l'œil ») ; dans le baroque, il y a l'incertitude des formes, la vision par des masses indéfinies. Dans l'art de la Renaissance, le principe d'isolement et de rigueur plastique, de tectonique distincte et intense est cultivé (rappelez-vous les sculptures de Michel-Ange). Dans le baroque, il n’y a pas une telle rigueur et cette unité. Il n'y a pas non plus de tension tectonique des formes : elles sont floues, chatoyantes, dotées de la propriété d'une certaine incomplétude énigmatique. Rappelons par exemple l'architecture baroque. Les formes lisses, rondes, très instables et très « nerveuses » sont partout ici ; ici, nous rencontrons souvent des tentatives d'agrandissement de l'espace grâce au verre miroir, à des techniques de peinture trompeuses, etc.

« Non pas des formes individuelles », écrit Wölfflin, « non pas des figures individuelles, non pas des motifs individuels, mais des effets de masses ; pas limité, mais infini ! . C'est en ce sens qu'il faut comprendre la remarque de Friedrich Nietzsche selon laquelle le nom Bernini (le grand sculpteur et architecte de l'époque baroque) est « le nom de la mort de la sculpture » : chez Bernini, les formes plastiques manquent de rigueur, elles semblent couler. les lignes qui les dessinent se brouillent continuellement - de sorte que ce qui apparaît au premier plan n'est pas statique, mais des volumes mouvants et chatoyants, organisés, comme dirait Wölfflin, selon le principe du « pittoresque ». On peut dire que ce « pittoresque » est le principe de la pensée « baroque » en général.

2. Justification philosophique et esthétique du baroque : Baltasar Gracian

Selon l'historien de l'esthétique V.P. Chestakov, « le style baroque n'a pas reçu d'expression théorique holistique et systématique en esthétique. Cependant, des déclarations individuelles et des préfaces d'œuvres poétiques et musicales donnent une idée des principes fondamentaux de l'esthétique baroque. Ce jugement n'est pas tout à fait exact : dans le cadre de la culture baroque, principalement en Espagne et en Italie, plusieurs traités majeurs d'un niveau philosophique assez élevé ont été rédigés. Nous en examinerons brièvement deux ci-dessous.

D'une manière générale, la philosophie de l'art baroque ne s'intéresse pas aux fondements objectifs de la beauté ou de la laideur ; son attention se porte sur les conditions subjectives de la perception esthétique et de la créativité (ce n'est pas un hasard si c'est dans le cadre de l'esthétique baroque qu'apparaît la notion même de goût) ; elle se soucie des réceptions croyances spectateur ou lecteur - une croyance qui est essentiellement identique à la suggestion, à la tromperie illusionniste (c'est-à-dire la présentation d'un inexistant comme existant). Ici, d'ailleurs, " Rhétorique d'Aristote, traduit pour la première fois en latin en 1570. L’esthéticien polonais Białostocki a écrit dans son livre sur le baroque : « La théorie des émotions, exposée dans le deuxième livre de la Rhétorique d’Aristote, est devenue un élément de l’art, compris comme persuadant le spectateur et l’excitant. La rhétorique ne distingue pas la vérité de la plausibilité ; en tant que moyens de persuasion, ils semblent équivalents - et de là découle le subjectivisme illusoire et fantastique de l'art baroque, combiné au « secret » de la technique artistique, qui crée une impression subjective et trompeuse de vraisemblance.

L'une des œuvres les plus intéressantes de cette époque est le traité de l'écrivain espagnol Baltasar Gracian y Morales (1601-1658) « L'esprit ou l'art de l'esprit vif » (1642). Selon L.E. Pinsky, ce livre « est généralement considéré comme l'œuvre la plus significative et la plus programmatique pour l'esthétique de l'époque baroque (ou - en relation avec une liste détaillée de diverses techniques artisanales - comme la rhétorique du baroque). L’« Art de l’esprit raffiné » de Gracian est en ce sens comparable à « l’Art poétique » de Boileau, le programme artistique du classicisme du XVIIe siècle. .

Tout d’abord, considérons ce que Gracian entend par « esprit ».

L’esprit est un bienfait inconditionnel de l’esprit et une source de son plaisir : « Ce qu’est la beauté pour les yeux et l’euphonie pour les oreilles, l’esprit l’est aussi pour l’esprit. » C'est la capacité la plus élevée de l'esprit. "La dialectique s'occupe de la connexion des concepts afin de construire correctement un raisonnement ou un syllogisme, et la rhétorique s'occupe des décorations verbales afin de créer une tournure de phrase éloquente." La dialectique et la rhétorique exigent toutes deux une grande compétence, mais apparemment pas la plus raffinée : « l'esprit et l'esprit sont également basés sur l'habileté, et la plus élevée parmi toutes les autres ».

L'esprit est une propriété d'un « esprit sophistiqué », dont l'action est rapide et précise, comme intuitive. Le sujet de l’esprit rationnel et logique (« lent ») est la vérité, tandis que l’esprit, « contrairement à la raison, ne se contente pas de la seule vérité, mais aspire à la beauté ». Il est curieux que par beauté, Gracian entende quelque chose qui n'est pas tout à fait habituel pour toutes les esthétiques précédentes, à savoir une telle harmonie, qui s'exprime dans des connexions et des correspondances subtiles, parfois imperceptibles, entre divers objets.

Une pensée vive « est un acte de l’esprit exprimant la correspondance qui existe entre les objets. Leur coordination même, ou corrélation habile, exprime leur connexion subtile objective. D’ailleurs, l’établissement de cette correspondance est d’autant plus précieuse qu’elle apparaît moins évidente tant dans la réalité que dans l’œuvre la plus « spirituelle » elle-même. « La conformité », écrit Gracian, « est un trait générique commun à tous les types d'esprit et embrassant toutes les techniques d'un esprit sophistiqué ; même là où nous avons une opposition et une hétéroglossie, cela n’est aussi rien d’autre qu’une savante corrélation d’objets.

Ainsi, les propriétés de la beauté dans la compréhension gracienne (et baroque en général) sont la correspondance, la cohérence subtile, la corrélation habile entre eux de tels objets entre lesquels il n'y a pas de proximité logiquement cohérente. C'est la beauté, possible seulement dans l'art, la beauté authentique, portée à la perfection par un « esprit sophistiqué » ; comme il est dit dans un autre ouvrage de Gracian, « même la beauté doit être aidée : même le beau apparaîtra laid s'il n'est pas décoré par l'art, qui enlève les défauts et polit les vertus ».

Les correspondances dont parle Gracian sont dans certains cas inhérentes aux objets eux-mêmes (ils « contiennent déjà toutes sortes de mouvements spirituels »), dans d'autres elles sont établies de manière tout à fait arbitraire. Au fond, peu importe qu’ils soient « objectifs » ou « subjectifs » : le plus important est de savoir si l’artiste a réussi à nous convaincre qu’il ne s’agit pas d’une fiction. Le seul moyen d’une telle persuasion, parfois complètement illusoire, est la beauté. L’artiste est influencé par la beauté, et la beauté peut avoir un pouvoir de preuve bien plus grand que n’importe quel syllogisme. Caractériser les preuves générées par l'esprit, c'est-à-dire Faisant principalement appel à la beauté de la forme, Gracian souligne leur caractère paradoxal : « l'évidence est basée sur la correspondance d'extrêmes contradictoires » ; « de telles preuves soulignent le contraste » ; « la preuve repose sur l'opposition de deux concepts », etc.

Le penseur espagnol tente de donner une justification rationnelle à cette évidence, et en général à la « technique » de l’esprit : il donne de nombreux exemples tirés de la poésie espagnole contemporaine et examine scrupuleusement les techniques par lesquelles se créent les effets de « correspondance » illogique. En même temps, il est convaincu que l’esprit ne peut se limiter à la maîtrise des techniques (compétence rhétorique), puisqu’il est en grande partie déterminé par l’intuition qui dépasse la raison ou, selon les termes de Gracian, le « talent ». L'esprit, estime-t-il, est une synthèse de la raison et du talent, et ce dernier domine dans cette synthèse. « ... La nature, écrit Gracian, a volé à l'esprit tout ce qu'elle dotait de talent ; C'est là le fondement du paradoxe de Sénèque : tout grand talent a un grain de folie. Les impressions l’influencent ; il vit aux frontières de l’affect, à la frontière du désir et à proximité du dangereux voisinage des passions. »

Ainsi, l'esprit ne s'exprime pas tant dans la connaissance que dans un jeu artistique qui détruit les frontières du familier. Ce qui est le plus important ici, c'est la capacité de combiner des choses incompatibles, la capacité de surprendre, d'étonner (Gracian dit : « le sel de l'esprit est dans l'inhabituel ») et, en outre, de présenter ce qui se révèle à l'imagination comme réel. (convaincre, créer des illusions). C’est de l’épicurisme intellectuel, un jeu esthétique fascinant.

Essayons de projeter ces dispositions du traité de Gracian sur le domaine de l'art.

A) Nous verrons que l’importance de réception: la clarté et la distinction dans l'identification des « correspondances » et divers types de connexions subtiles entre les choses y sont directement liées.

B) Si l'art est le jeu d'un esprit sophistiqué, plus associé au talent qu'à la raison, alors on ne peut pas parler de définition stricte (linéaire-géométrique, au sens de Wölfflin) de la forme. Ici, au premier plan, une association paradoxale, ainsi qu'un mouvement libre, organisé « musicalement » et assurément spectaculaire. métaphore.

Prenons, à titre d'illustration, quelques exemples tirés de l'œuvre du grand poète baroque Luis de Góngora (1561-1627), un contemporain plus âgé de Gracian (ce dernier a largement généralisé et conceptualisé ses découvertes artistiques).

Un vers de « Solitude » : « Les bœufs rentrent à l’étable, piétinant le faible rayon du jour. » C'est une combinaison idéale de l'incompatible : on ne peut « piétiner » qu'une surface dense, généralement quelque chose de matériel, mais pas un rayon. L’image qui apparaît ici s’avère inachevée, d’où son « énigmatisme », si caractéristique des poèmes de Gongora et de la poésie baroque en général.

Lorsque Gongora parle du blessé : « Des veines dans lesquelles il y a peu de sang, / Des yeux dans lesquels il y a beaucoup de nuit », il combine aussi des choses traditionnellement incompatibles : une représentation concrète et une image métaphorique. Dans certains cas, le poète utilise des métaphores étonnantes par leur efficacité et leur surprise. Par exemple, à propos de la grotte du cyclope Polyphème (dans les mêmes « Solitudes »), il écrit : « ce fut un terrible bâillement de la terre » ; 24 heures sur 24 : « le mauvais temps habillé de chiffres ». Parfois, il recourt à une technique qui n'était pas favorisée par les poètes d'orientation « classique » : l'hyperbole. Par exemple, il décrit la beauté de la mariée comme suit : « Elle pourrait rendre la Norvège sensuelle avec l’aide de deux soleils / Et l’Éthiopie blanche avec l’aide de deux mains. »

« L'originalité de Don Luis de Gongora, écrit Federico García Lorca dans un essai sur lui, outre le plan purement grammatical, réside dans la méthode même de sa « chasse » aux images poétiques, la méthode dans laquelle il embrasse leur antagonisme dramatique. et, en le surmontant au galop d'un cheval, crée un mythe. Il semble que la méthode d’actualisation et de dépassement de « l’antagonisme dramatique » des images soit largement caractéristique de tout l’art baroque. Pour conclure la conversation sur Baltasar Gracian, nous notons que c'est lui qui a introduit le concept de « goût » au sens de « goût esthétique » (il l'appelait « goût élevé »). Avec ce concept, il désigne l’une des capacités de la cognition humaine, spécifiquement axée sur la compréhension de la beauté et des œuvres d’art.

Le thème principal du traité de Tesauro est le même « esprit » que chez Gracian, et, en discutant de l'esprit, le philosophe révèle la même subjectivité dans la compréhension de l'essence de la beauté et le même désir d'élever le « talent » au-dessus de la raison. Il convient de noter que la ligne directrice méthodologique de Tesauro, selon ses propres mots, est la Rhétorique d’Aristote. Dans l'un des premiers paragraphes de son traité, il écrit : « Lecteur, préparez-vous à regarder comment, avec l'aide de l'irremplaçable télescope aristotélicien, je m'engage à regarder tout ce qui mérite le nom de Witty, afin que, en m'appuyant sur Recherche et observation, je trouverai les preuves les plus complètes de mes pensées.

Comment Tesauro interprète-t-il l’esprit ? Son approche de la réflexion sur ce concept peut, en général, être qualifiée de rhétorique : « Les mots d'esprit étaient auparavant compris comme des NOMS raffinés, c'est-à-dire des utilisations figuratives et métaphoriques des noms ; puis ils ont également commencé à comprendre des DÉCLARATIONS exquises, c'est-à-dire des phrases et des descriptions pleines d'esprit et gracieuses ; De nos jours, ils ont également ajouté des JUGEMENTS exquis, et ceux-ci constituent la meilleure base pour être appelés CONCEPTS spirituels. Par conséquent, vous et moi appellerons plein d'esprit tous les discours, poèmes, inscriptions, épitaphes, louanges et épigrammes, arrangés à l'aide de tels CONCEPTS.

Les principales qualités de l'esprit sont la « perspicacité » et la « débrouillardise ». La perspicacité « discerne les qualités les plus cachées et les plus infimes de divers objets. Essence, matière et forme, propriétés, raisons, signification, apparence, buts, inclinations, similarité et divergence, équivalence, supériorité et infériorité, signes distinctifs, noms et éventuelles possibilités de double compréhension - en un mot, rien ne reste inexploré, inaperçu ; mais dans tout objet existant, il y a quelque chose de caché, de profondément caché. Quant à la débrouillardise, elle « compare instantanément ces Qualités remarquées, les relie entre elles, ou les corrèle chacune avec l'apparence visible de l'Objet, puis combine les observations ou les oppose ; sous-estime ou exagère si nécessaire ; l’un est placé en dépendance causale de l’autre ; l’un remarque l’autre ; enfin, avec la merveilleuse dextérité de la Figure, une propriété est placée dans la Figure Allégorique à la place d’une autre.

Ce qui est intéressant ici, c'est la comparaison de l'esprit avec la dextérité du « bouffon ». La « bouffonnerie » consiste généralement en un jeu de rôle délibérément frivole, souvent parodique et bouffon. En ce sens, cela s’apparente à l’habileté d’un magicien. Apparemment, il est important pour Tesauro de mettre l'accent sur les fonctionnalités style externe ce jeu esthétique dans lequel, en fait, l'esprit se manifeste : il nous semble que son sens peut être réduit à une pure « bouffonnerie » - à la dextérité, à la grâce, à la surprise d'un effet qui frappe l'imagination, etc. Toutefois, ce n’est qu’une apparence. L'esprit, bien sûr, est un jeu, mais un jeu basé sur la connaissance des qualités « cachées » des choses et générant une nouvelle image du monde - une image dans laquelle tout ce qui est différent et disparate apparaît uni, ou plus précisément, relié par des relations de « correspondance » paradoxales. De plus, l'esprit est le plus haut des arts, en lui l'homme imite Dieu lui-même, qui « apparaît souvent à ses créatures comme un poète et un esprit merveilleux : parlant aux gens et aux anges, il répand des paroles allégoriques et des paroles symboliques, avec elles concluant ses Concepts, remplis des plus hauts Secrets".

Selon Tesauro, la principale technique d'expression spirituelle est l'allégorie. Il existe différents types d'allégories : comparaison, allégorie, hyperbole, métonymie. Mais le plus important d'entre eux est métaphore. Elle, comme le dit le philosophe, est « la mère de la poésie, de l'esprit, des dessins, des symboles et des devises héroïques », « la plus inventive et la plus perspicace, étonnante et frappante, ENCOURAGEANTE et UTILE, RICHE et FREGITIVE des créations de l'esprit humain. »

La doctrine de la métaphore, exposée dans la Longue-Vue d'Aristote, est essentiellement une théorie générale de l'art baroque, et ici Tesauro est véritablement le « Boilo de l'époque baroque ». Il écrit : la métaphore, « captive jusqu'à présent la pensée et pour cela, avec sa puissance, sublime les mots différents d'une catégorie à l'autre, et transforme le concept lui-même, le faisant paraître différent, complètement différent : ainsi, les similitudes se révèlent dans des choses dissemblables. » Et encore : « Pour la véritable perfection d'une Métaphore, l'idéal est que les concepts très profonds qui y sont cachés soient aussi éloignés que possible les uns des autres, de sorte qu'un talent et une formation particuliers soient requis, ainsi que la capacité d'un seul esprit à glissez vers le bas et montez de nombreuses marches, et embrassez toutes les profondeurs des différentes significations d'un seul coup d'œil. Un artiste qui utilise avec humour des métaphores « crée l’existant à partir de l’inexistant. Son Lion se transforme en Homme et l'Aigle en une Ville entière. Keen Mind croise une femme avec un Poissons et crée la Sirène, symbole d'Affection. Il attache une queue de Serpent sur le devant du corps de la Chèvre, et ainsi naît la Chimère, symbole hiéroglyphique de la Folie.

La métaphore se caractérise par l'originalité, la surprise et le « frappant » (la capacité d'étonner, d'étonner) : « l'esprit de l'auditeur, frappé par la nouveauté, est perplexe, s'émerveillant à la fois de la forme étonnante d'une déclaration pleine d'esprit et de l’essence étonnante de l’objet décrit. De plus, la métaphore exprime de tels complexes de significations que le langage ordinaire, non métaphorique, est incapable d'exprimer : « Si vous voulez traduire dans un langage généralement accepté : Les vignes sont en deuil, ou le Soleil sème des rayons, vous serez tourmenté et ne sera pas capable de."

Il faut dire aussi que le monde lui-même est pour Tesauro une « métaphore divine ». Par conséquent, les métaphores de l’art, bien qu’elles semblent illusoires et fantastiques, coïncident par nature avec la structure interne de l’univers.
4. Symbole médiéval et métaphore baroque
Lors d'une conférence précédente, il a été dit que, au Moyen Âge, le monde était un ensemble de symboles. Tesauro affirme : le monde est une métaphore divine. Quelle est la différence entre ces deux positions ?

Tout d'abord, la différence est qu'avec une relation symbolique (précisément dans sa version médiévale), les significations des symboles sont interprétées plus ou moins strictement : par exemple, la couleur rouge, et elle peut être associée soit au sang du Christ , ou avec la miséricorde de la Mère de Dieu, ou bien avec quelque chose. Il est important qu'avec toute la variété des interprétations, la correspondance du signifié avec le signifiant soit établie clairement et même sans ambiguïté. Lorsque nous parlons de métaphore, nous ne pouvons plus permettre une telle unicité, car la métaphore est, pour ainsi dire, un sens éternellement « non prêt », en devenir, fluide. Dans une métaphore, il y a toujours quelque chose de discret et de sous-déterminé. En même temps, il s'efforce de « transparent » les frontières entre les objets opposés - tous deux phénoménalement opposés (subjectifs et objectifs, matériels et immatériels, denses et raréfiés, solides et fluides, lointains et proches, locaux et cosmiques, etc.), et nouménal (matériel et idéal, « céleste » et « terrestre », naturel et culturel, humain et surhumain). Ainsi, la métaphore permet une combinaison mystérieuse et arbitraire (non contrôlée par la raison) de l'incompatible, la convergence du dissemblable, le « flux » constant des contraires les uns dans les autres (cf. Roman Jakobson puis Paul Ricœur : la métaphore est « divisée » référence").

De plus, les relations symboliques sont perçues comme totalement objectives, indépendantes de notre « disposition » à leur égard, de notre conscience dans son ensemble. Et, en principe, les interprétations arbitraires ne sont pas autorisées ici. La métaphore est interprétée subjectivement, et ses diverses explications, décodages, d'une manière ou d'une autre, dépendent de la façon dont nous la regardons, de ce que nous « saisissons » en elle. La métaphore est une relation sémantique dans laquelle il n'y a ni objectif ni subjectif, mais plutôt une unité subjectif-objectif, c'est-à-dire inséparabilité, unité du monde et de l'homme. Dans la culture baroque, tout est exactement ainsi : la conscience et le monde sont initialement pour ainsi dire « inclus » l'un dans l'autre, selon le principe de la monade leibnizienne, et forment un tout (bien qu'assez bizarrement organisés, changeants, mystérieux). , toujours non-dit). Ainsi, Gilles Deleuze écrivait, comparant l'image de l'art baroque à la matière molle et pliée : « … Chaque âme ou chaque sujet est complètement fermé, sans fenêtres et sans portes, et dans son noyau très sombre contient le monde entier, n'éclairant pleinement que une petite partie de ce monde (cf. .c'est avec les effets de la peinture baroque en noir et blanc, par exemple du Caravage ou de Dosso Dossi. - N.-B.), chacun a son Monde propre, donc il est plié ou replié dans chaque âme, mais à chaque fois de manière différente, puisqu'il n'y a qu'un tout petit côté de ce pli, qui est illuminé."

Dans l'histoire de l'esthétique, les directions stylistiques se remplacent, se différenciant par des orientations opposées, c'est-à-dire Dans l’histoire de l’art et de l’esthétique, la loi de l’antithèse est observée.

Si l’art de l’Antiquité était axé sur l’esprit, alors l’art et l’esthétique du Moyen Âge étaient axés sur la sphère émotionnelle et mystique ; Si l'art de la Renaissance a largement ressuscité les traditions de l'Antiquité et était guidé par une recherche rationnelle de la beauté, alors le baroque qui l'a remplacé était à bien des égards à l'opposé des normes de la Renaissance. Le classicisme et les Lumières étaient à l’opposé du baroque et se concentraient sur la raison et la raison. Le romantisme reposait entièrement sur le sentiment.

Compte tenu des orientations stylistiques du XVIIe siècle. (Baroque, classicisme, rococo), on peut être convaincu à la fois de leur lien profond avec la Renaissance et avec le contraire de cette époque.

Une sorte de période baroque (une période d’effondrement, de déclin) peut être trouvée à n’importe quelle époque. Ainsi, l’école de sculpture rhodienne et l’art des Diadons étaient une manifestation du « baroque » pour la Grèce antique. La construction des Césars des IIIe et IVe siècles, qui avait un caractère grandiose et luxueux, peut également être qualifiée de baroque. Le gothique est aussi un style « fougueux » élaboré, c'est-à-dire Chaque période historique a son apogée et son déclin. Le baroque historique remplace la Renaissance italienne. Mais la culture de la Renaissance présente également des caractéristiques qui se sont épanouies plus tard dans le baroque.

La « maladie de l’Église catholique », exprimée d’abord dans les discours de Savonarole, puis dans ceux de Luther et des réformateurs suisses, a largement influencé le cours de la vie artistique. Tout cela a porté un coup dur à l’Église. Cette tempête spirituelle s'est manifestée dans les œuvres de Michel-Ange, disciple et adepte de Savonarole.

Après Michel-Ange, l'Église a réussi à produire des « protestants fidèles » qui ont conduit au mouvement de Contre-Réforme. À partir de ce moment, l'art baroque, originaire de la Chapelle Sixtine et de la Cathédrale du Corrège de Parme, acquiert le caractère nécessaire et même officiel. Les mots « art jésuite » et « baroque » sont presque synonymes. Le baroque est l'esprit de tragédie, de contradiction, le désir de s'éloigner de la terre, l'art du doute et des aspirations insatisfaites, la lutte de l'ascèse avec la sensualité, l'extase, voire l'hystérie.

Jusque dans les années 1630 L'art baroque est influencé par Michel-Ange et la Contre-Réforme. De plus, il devient plus léger, voire cynique, extérieurement décoratif, glorifiant non seulement l'Église, mais aussi le pouvoir royal dans une moindre mesure.

C'est en Italie que l'art baroque (ainsi que sa théorie, qui n'était pas formalisée en un système cohérent) s'est répandu le plus. Le terme « baroque » désigne un syllogisme et une perle de forme inhabituelle (étrange). Le baroque signifiait quelque chose de prétentieux, voire de laid. Ce nom a été donné en moquerie par les esthètes du XVIIIe siècle. art des XVIe et XVIIe siècles La critique d’art du XIXe siècle en a également hérité. Cela était considéré comme un déclin de la beauté et du bon goût. C’est pourquoi, encore aujourd’hui, les critiques utilisent souvent le terme baroque pour caractériser l’achèvement ou le déclin d’un certain style. Mais baroque historique - XVIIe siècle. Au fil du temps, le terme « baroque » a perdu sa connotation négative et a commencé à être utilisé en relation avec la sculpture, la peinture, la musique et la littérature. L'historien de l'art allemand G. Welfin considérait la Renaissance et le baroque comme l'expression de deux principes alternés, dont aucun ne peut prétendre à la priorité.

Parmi les théoriciens, on peut citer Giambattisto Marino Peregrini, Emmanuele Tesauro.

Le poète napolitain Giambattisto Marino Peregrini (représentant du soi-disant « art nouveau ») était le plus brillant représentant de cette tendance. Il oppose consciemment sa créativité et ses principes créatifs à ceux de Pétrarque : « Le but du poète est le miraculeux et l’étonnant. Celui qui ne peut pas surprendre... qu'il aille chez le coiffeur."

Marino considérait que ce principe de la nécessité de surprendre était commun aux différents types d’art. De plus, il croyait que les arts spatiaux et temporels étaient liés. La peinture est une poésie silencieuse. La poésie parle de peinture. L'idée d'une synthèse des arts (en particulier de la musique et de la poésie, sans compter les mystères antiques) est une idée baroque. Cela s’est avéré très fructueux. Grâce à elle, l'opéra est né. La recherche d'une synthèse de la sculpture et de la peinture entreprise par L. Bernini s'est également révélée significative dans l'histoire de l'art.

Matteo Peregrini était un autre théoricien du baroque. Son « Traité de l’esprit » est célèbre. Il était considéré comme un théoricien du « baroque modéré ».

L'Italien Emanuele Tesauro était un représentant important des idées baroques. Il possède les traités « La longue-vue d'Aristote » (1654) et « Philosophie morale » (1670). Il partage l’avis d’Aristote selon lequel l’art est une imitation de la nature. Mais il interprète cette imitation différemment : « Ceux qui savent imiter parfaitement la symétrie des corps naturels sont appelés les maîtres les plus érudits, mais seuls ceux qui créent avec la netteté qui convient et font preuve d'un sentiment subtil sont doués de vivacité d'esprit. » Ce qui est vrai dans l’art n’est pas du tout vrai dans la nature. Les idées poétiques « ne sont pas vraies, mais imitent la vérité », l’esprit crée des images fantastiques « à partir de choses immatérielles, il crée des choses qui existent ».

Le concept artistique du baroque considère l’esprit (anticipation de l’ironie romantique) comme la principale force créatrice. À bien des égards, l’effondrement des idéaux de la Renaissance y conduit. L’esprit baroque est la capacité de rassembler les dissemblances.

C'est parce que les maîtres baroques attachaient une grande importance à l'esprit qu'est née leur attitude particulière envers la métaphore, l'allégorie, l'emblème, le symbole (une manière plus élégante et plus expressive d'exprimer une signification artistique que la symbolisation médiévale). Dans l’art baroque, les métaphores sont représentées aussi bien par la pierre que par les mots.

L'art baroque accorde une attention particulière à l'imagination, à l'idée, qui doit être pleine d'esprit et surprendre par sa nouveauté. Le baroque laisse entrer le laid, le grotesque, le fantastique dans sa sphère.

Le principe du rapprochement des contraires remplace l’art baroque principe de mesure(c'est ainsi que le Bernin transforme une lourde pierre en la plus belle draperie d'étoffe ; la sculpture donne un effet pittoresque ; l'architecture devient comme une musique figée, le mot se confond avec la musique, le fantastique se présente comme réel, le drôle se transforme en tragique). La combinaison des plans du surréaliste, du mystique et du naturaliste est d'abord présente dans l'esthétique baroque, puis se manifeste dans le romantisme et le surréalisme.

La pensée théorique du baroque s'écarte également de la pensée de la Renaissance selon laquelle l'art (en particulier les beaux-arts) est une science, qu'il repose sur les lois de la pensée logique, que l'art est provoqué par des tâches de cognition.

Le baroque souligne le fait que l’art est profondément différent de la logique de la science. L'esprit est un signe génie. Le don artistique est donné par Dieu et aucune théorie ne peut aider à l’acquérir. "Ce n'est pas la théorie, mais l'inspiration qui donne naissance aux créations d'un poète et d'un musicien."

À l’époque baroque, la vision du monde de l’homme était non seulement divisée (comme à la Renaissance – affirmation de soi et tragédie), mais elle perdait également complètement son intégrité et son harmonie. La vision du monde, la vision du monde d'une personne a compris la profondeur, contradiction interne de l'existence, la vie humaine, l'univers.

Ce n'est pas un hasard si à cette époque, mais déjà en France, apparaît un penseur comme Pascal. À bien des égards, il n’acceptait pas le paradigme rationnel et refusait de reconnaître le monde comme stable ; il vivait aux limites de l’être et du non-être, au-dessus de l’abîme.

Pascal ressentait le lien de la beauté avec le sujet percevant lui-même. Il a essayé de combiner l'individualité de l'expérience esthétique avec certains fondements généraux et objectifs. Il a souligné le rôle particulier de l'expérience esthétique et l'a considéré comme un élément nécessaire de la vie sociale : « Cette (beauté) est quelque chose de si petit qu'il est difficile de la définir, elle fait bouger la terre, les principes, les armées, le monde entier. Si le nez de Cléopâtre avait été plus court, la face de la terre aurait été différente. »

Le baroque est faste, décoratif, grandeur, complexité, fluidité, impulsion, passion, extase, talent artistique, personnalité. Il s'agissait de glorifier l'Église catholique et le roi.

Tout dans l'art affirmait l'homme comme une particule du cosmos. Les idées de G. Bruno, Campanella et les succès de la physique et de l'astronomie n'ont pas été vains.

Les types d'art dominants étaient les beaux-arts - architecture, sculpture, peinture.

Le style des bâtiments du palais a créé l'absolutisme. Le palais n'est plus une forteresse, comme au Moyen Âge, mais, comme l'écrit E. Fuchs, « l'Olympe ramené sur Terre, où tout dit que les dieux habitent ici. Un vaste hall d'entrée, d'immenses halls et galeries. Les murs sont recouverts de haut en bas de miroirs qui éblouissent le regard. Ni la pose ni la soif de représentation ne peuvent se passer de miroirs... Les jardins et les parcs sont les clairières étincelantes de l'Olympe, toujours riantes et toujours joyeuses. » (Histoire illustrée de la morale. L'âge galant. M., 1994, p. 13) .

Art baroque - grandeur, faste. L'un de ses thèmes constants est le thème du souverain divin. Jupiter et Mars sont dotés de traits souverains. Les mythes anciens sont transformés en l'histoire de la vie d'une dynastie royale. « Le tonnerre et les éclairs reposent dans ses mains, et, brûlants d'une langueur voluptueuse, les corps divinement beaux de Danaé et Léda se précipitent vers lui. De lui naîtra une nouvelle génération, et si l’époque des héros antiques renaît avec brio, ce n’est que grâce à lui (le souverain).

L’art baroque est avant tout l’art de la religion catholique.

Le baroque est un mouvement artistique des XVIe-XVIIe siècles généré par la crise de la Renaissance, qui comprend L. Ariosto, T. Tasso (Italie), G. Sachs, A. Grifius, G. Grimmelshausen (Allemagne), Lope de Vega, P Calderson, F. Quevedo (Espagne), B.Johnson, J.Webster (Angleterre).

Torquato Tasso (1544 - 1595) agit comme poète et comme théoricien de l'art (« Discours sur le poème héroïque »). Il se concentre sur la théorie de l'épopée. Le Tasse s'appuie sur Aristote, mais contrairement à lui, il privilégie non pas la tragédie, mais le poème héroïque et construit ses concepts sur sa matière. La théorie, selon le Tasse, devrait développer un modèle de poème héroïque. Cependant, cet échantillon ne réside dans aucune œuvre poétique, même la meilleure (« Iliade » ou « Énéide », par exemple) ; il peut être créé sur la base d’une étude théorique de tous les poèmes existants.

Pour comprendre l’essence de la poésie, le Tasse vient de la « mimesis » d’Aristote : la poésie est une imitation par la parole. Le Tasse exprime un jugement indépendant sur le sujet de l'imitation : contrairement aux stoïciens, qui considéraient le sujet de la poésie comme les actions des dieux et des hommes, le Tasse dit que la poésie est une imitation verbale des actions humaines (si la poésie fait ressortir les dieux et les animaux, il leur attribue des actions humaines). La nature et ses phénomènes ne servent que de décorations secondaires, mais l'essentiel en poésie est l'homme et tout ce qui est humain. Elle suscite en nous une participation amicale et peut servir d’édification à notre propre vie.

Le but du poète, selon le Tasse, est l'idée de la beauté. Le Tasse parle également de la relation entre l'art et la réalité utiles (pratiques) et esthétiquement inintéressés : « En comparant le but du plaisir avec le but de l'utilité, on ne peut s'empêcher d'admettre », écrit-il, que le premier est plus noble que le second, car nous désirons ce but pour lui-même et pour tout. Nous voulons autre chose pour elle. C'est pourquoi ce but ressemble parfaitement au bonheur, qui est le but du citoyen ; De plus, elle est favorable à la vertu, car elle élève la nature humaine. Ces dispositions du Tasse ont constitué un tournant pour l'esthétique dans la résolution du problème de la finalité de l'art. Le Tasse parle de deux aspects de l'art : son bénéfice (principe inférieur) et son plaisir (principe supérieur).

« Si le poète, en tant que poète, aime le sujet, il ne se retirera pas de ce but, vers lequel il doit diriger toutes ses pensées, comme les archers leurs flèches ; mais comme il est citoyen et membre de la ville, ou, du moins, puisque son art est subordonné à l'art qui est suprême par-dessus tout (Tasso signifie l'art de la politique, du gouvernement, de la conduite de la vie civile), il choisit le noble bénéfice comme son objectif. Ainsi, des deux buts assumés par le poète, l'un appartient en effet à son art, l'autre à l'art le plus élevé ; mais, en regardant son propre but, qu'il se garde d'aller dans le contraire, car les plaisirs nobles dégoûtent les plaisirs ignobles.

Ayant reconnu l'importance sociale de la créativité artistique, le Tasse voit dans ces possibilités, pour ainsi dire, le but externe de l'art, tandis que son but interne - le plaisir - repose sur une attitude désintéressée envers l'objet. Le Tasse considérait la citoyenneté comme une propriété nécessaire d'un artiste, mais dans le domaine de l'art, un citoyen doit être un poète.

Le Tasse est un défenseur en théorie et un guide dans la pratique du principe aristotélicien de l'unité d'action.

Le poème doit être semblable au monde créé par Dieu, et ce dernier a l'unité : « Le monde, contenant en son sein tant d'objets divers, est un, une forme et une essence, un nœud reliant toutes ses parties avec un accord discordant : là ne lui manque pas - et tout ce qui existe en lui sert à la nécessité ou à la décoration : de même, à mon avis, un excellent poète (qu'on appelle divin uniquement parce que dans ses actions, devenant comme l'artiste suprême, il devient participant à sa divinité) crée un poème dans lequel, comme dans un petit monde, des troupes se forment, des batailles se préparent sur terre et sur mer, des villes sont assiégées, des combats singuliers et des tournois ont lieu, la faim, la soif, les tempêtes, les incendies, des miracles sont décrits ; les conciles se tiennent au ciel et en enfer ; rébellion, discorde, délire, magie, exploits, cruauté, courage, politesse, générosité, amour sont tour à tour visibles, tantôt heureux, tantôt malheureux - et, malgré toute cette variété d'objets, le poème doit être unifié, sa forme et son âme unies, de sorte que tous ces objets liés les uns aux autres dépendaient les uns des autres, de sorte que lorsqu'une partie est enlevée ou que sa place est changée, le tout lui-même est détruit.

Pour le Tasse, une œuvre d'art est un monde unique, holistique, intérieurement fermé, organisé et ne peut être modifié dans aucune de ses parties sans détruire le tout. L'œuvre d'un poète pour le Tasse est une imitation de la créativité de Dieu. Le poète, selon le Tasse, semble créer son propre monde : « l’art de construire un poème » est « comme l’esprit de l’univers, qui est une combinaison d’opposés, comme l’esprit de la musique ».

Le personnage le plus important et le plus célèbre du baroque italien était Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680). Il glorifiait à la fois l'absolutisme et le catholicisme. C'était un homme d'une énorme énergie créatrice, qui étonnait par la variété de ses talents : architecte, sculpteur, décorateur, peintre, dessinateur. Il fait partie de ces rares artistes qui ont vécu une vie longue et confortable. En fait, tout au long de sa vie, le Bernin fut le dictateur de la vie artistique romaine. Son autorité était incontestable.

D'une part, son travail est le reflet des exigences de l'Église (ce n'est pas un hasard si l'Église a toujours patronné son talent), d'autre part, il a élargi les possibilités des formes d'art spatiales (plastiques). D'une part, il a créé la gloire de l'art catholique, de l'autre, il a «corrompu» la sculpture d'église, créé un type de statues religieuses scandaleuses, agitées et indécemment coquettes, qui sont devenues le canon pendant un siècle entier.

L'une des sculptures célèbres du Bernin est David. Il est présenté d'une manière complètement différente de celle de Michel-Ange. Il y a la paix, ici il y a l'expression, le sentiment, le mouvement impétueux. La même chose se reflète sur le visage. Il est déformé par une grimace de colère et de rage. Contrairement au monumentalisme des revivalistes, le Bernin s'efforce de donner une représentation concrète de l'événement.

L'action et la dynamique sont au cœur de la solution aux compositions du Bernin « Le Viol de Proserpine », « Apollon et Daphné ». Cet artiste fut l'un des premiers (après les sculpteurs antiques) à aborder le problème de la transmission du mouvement à travers une forme d'art spatiale.

Ceci est particulièrement expressif dans sa sculpture « Apollon et Daphné » (l'histoire d'Apollon et Daphné est racontée par Ovide. Apollon poursuit Daphné, la fille du pays de Gaïa et le dieu des rivières Pénée (ou Ladon), qui lui a donné mot pour maintenir la chasteté et rester célibataire. Elle s'est tournée vers les dieux pour obtenir de l'aide, et les dieux l'ont transformée en laurier. En vain Apollon l'a serré dans ses bras, il ne s'est pas transformé en Daphné. Et à partir de là, le laurier est devenu la plante préférée d'Apollon. ).

Le Bernin a transmis avec une précision surprenante le moment de la métamorphose du corps de la nymphe en racines et branches d’un arbre. La pierre transmet la tendresse de la peau de Daphné, la légèreté de ses cheveux et la surface de l’arbre émergent.

Le Bernin a réussi à s'approcher du genre du portrait sculptural. Le portrait du cardinal Scipione Borghese traduit le relâchement cutané, le satin de la robe et le mouvement caractéristique ; on se sent comme une personne sûre d'elle, intelligente, sensuelle et puissante.

Le Bernin a créé un certain nombre de merveilleux portraits dits de cérémonie (parfois on dit cérémonial - romantique). Par exemple, le portrait de Francesco d'Este représente un véritable dirigeant, souverain. L'une des œuvres les plus caractéristiques du Bernin dans ce genre est le portrait de Louis XIV siècle. Même sans savoir de qui il s'agit, vous pouvez deviner au détour du la tête, la robe de cérémonie, les boucles de la perruque que montre le roi Le Bernin, ainsi que la grandeur, l'arrogance aristocratique, l'arrogance vide et l'égoïsme.

E. Fuchs dans « L'Histoire illustrée de la morale » écrit à propos de l'époque baroque comme « un reflet artistique de l'absolutisme princier, une formule artistique de grandeur, de pose, de représentativité... Il n'y a personne de plus haut que le monarque, ni en idée, ni en en pratique... En la personne du souverain absolu, la divinité elle-même marche sur terre . D'où la splendeur, le faste scintillant d'or dont est vêtu le monarque absolu... la cérémonie soignée, soigneusement pensée jusque dans les moindres détails, qui fournit chaque service qui lui est rendu depuis le moment de son réveil jusqu'au moment de son immersion. dans le sommeil.

Il est intéressant de noter que Louis XIV ne savait ni lire ni écrire. Néanmoins, note E. Fuchs, lorsque le célèbre J.B. Colbert (ministre des Finances à partir de 1665) apprit que son fils faisait partie des courtisans de Louis, il y vit le plus grand bonheur. Il s'adresse ainsi à Louis : « Sire, il est de notre devoir de garder respectueusement le silence et de remercier chaque jour Dieu de nous avoir permis de naître sous le sceptre d'un souverain qui ne connaît d'autres frontières que sa propre volonté. »

Les œuvres sculpturales du Bernin capturent le pathétique des sentiments, la splendeur spectaculaire, les effets picturaux, la combinaison de matériaux de différentes textures et couleurs et l'utilisation de la lumière. Les pierres tombales papales sont en réalité des mises en scène théâtrales : tout y est créé de manière à évoquer une vague d'émotions.

Le Bernin n'a pas ignoré ses sujets de culte favoris du XVIIe siècle. - martyres, extases, visions, apothéoses. Ainsi, l'intrigue de sa célèbre composition sculpturale « L'Extase de Sainte Thérèse » était l'une des lettres d'une religieuse espagnole du XVIe siècle, dans laquelle elle racontait comment elle avait vu un ange que Dieu lui avait envoyé.

Le Bernin a réussi à transmettre l'état intérieur de cette religieuse, ce qu'aucun autre artiste n'a jamais fait (la composition sculpturale est située dans la chapelle Cornaro).

L'œuvre du Bernin se distingue également par le fait qu'il recherche de nouvelles techniques pour renforcer l'expressivité et se tourne vers la synthèse des arts (sculpture et architecture). Par exemple, le dais et la chaire de la cathédrale Saint-Pierre. Pétra. Bernini extrait des effets plastiques sans précédent à partir de matériaux traditionnels.

Parmi les plus belles créations du Bernin figurent des fontaines remplies d'une énorme puissance dynamique. L’union de la sculpture et de l’eau est ici intéressante. Par exemple, la célèbre fontaine du Triton, la fontaine des « quatre fleuves ». Les fontaines du Bernin font désormais partie intégrante de l'architecture de Rome.

Le Bernin est resté dans l’histoire comme un architecte célèbre. Dans l'architecture baroque, l'harmonie des formes inhérente à l'architecture de la Renaissance disparaît. Au lieu d’un équilibre des parties, il y a leur lutte, leurs contrastes, leur interaction dynamique. Le relief du mur devient plus complexe, les formes sont plus plastiques, comme mobiles, elles se « génèrent » et se prolongent. L'architecture baroque semble attirer une personne dans son espace.

Les créations du Bernin incluent l'église de Sant Andrea al Quirinale : la façade semble se plier, la clôture est concave, les marches semi-circulaires, le contour de l'église est basé sur une ellipse, l'intérieur est entouré de chapelles - niches ; les colonnes, les pilastres, les sculptures sont visibles sous des angles complexes, ce qui donne l'impression de leur variété infinie ; Intéressant. La solution du dôme est également intéressante : les caissons sont situés de taille décroissante vers le centre, ce qui crée l'illusion de la légèreté particulière du dôme et de sa direction particulière vers le haut.

La solution concernant « l’escalier royal » au Vatican est également très intéressante. En utilisant diverses techniques de perspective, Bernini crée l'illusion de son échelle et de son étendue énormes.

Au Palais Barbenini, les salles sont disposées en enfilade le long d'un axe, et cette ouverture progressive, sorte de « mouvement » de l'espace, donne un rythme élevé et majestueux aux cérémonies festives.

La place devant la Cathédrale St. Petra est l'une des grandes créations du Bernin. Deux galeries menant à une colonnade embrassent l'espace de la place, « comme des bras ouverts », comme le disait le Bernin. Le centre de la place (sa profondeur totale est de 280 m) est marqué par un obélisque, des fontaines sur les côtés définissent son axe transversal. La zone située devant la cathédrale révèle particulièrement clairement le génie architectural du Bernin et sa capacité à modeler l'espace.

Il a obtenu l'impression de l'unité compositionnelle de la cathédrale - un bâtiment construit par différents maîtres sur deux siècles. La façade de la cathédrale apparaît devant le promeneur au moment où il s'en approche immédiatement, mais la place grandiose sensibilise déjà psychologiquement la personne à cette perception. La place devant la cathédrale est considérée comme le meilleur ensemble architectural de l'Italie du XVIIe siècle.

Tout cela pris ensemble a renforcé l’ambiance du pathos religieux. L'œuvre architecturale du Bernin confirme le principe émotionnel.

L'église de Sant'Carl, célèbre grâce au célèbre architecte Francesco Borromini, est un véritable organisme vivant dès la façade, avec un rythme agité de formes architecturales. Il apparaît comme un spectacle décoratif spectaculaire.

Le peintre Caravage (1573 - 1610) est la personnification d'un tempérament débridé en peinture. Un trait caractéristique de son travail est la typographie. Ses œuvres présentent des images populaires (« Le martyre de l'apôtre Pierre »).

Pierre Paul Rubens occupe une place particulière dans le mouvement baroque. Cet artiste flamand est considéré par de nombreux historiens de l’art comme appartenant au mouvement artistique baroque.

Le baroque s'est manifesté dans l'architecture (G.L. Bernini), dans la musique (A. Vivaldi), dans la peinture (M. Caravaggio, P. P. Rubens), dans la littérature (P. Calderon).

Au sein du baroque en tant que mouvement, un certain nombre de mouvements et d'écoles se sont développés : le maniérisme (Italie), le gongorisme (Espagne), la littérature de précision (France, l'école métaphysique (Angleterre), la deuxième école de Silésie (Allemagne). Générées par l'ère des guerres dévastatrices. , crises spirituelles et matérielles, désunion sociale, le baroque cède la place au classicisme, fondé sur une société dans laquelle il y avait une consolidation des forces sociales sous les auspices d'un fort pouvoir royal.

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Cible: initier les élèves au mouvement artistique du XVIIe siècle. – baroque, utilisant les technologies de l'information et de la communication ; identifier les traits et les traits caractéristiques du baroque dans diverses formes d'art.

Tâches:

1. Élargir les connaissances des étudiants sur l'art des XVIIe-XVIIIe siècles, en mettant à jour les informations précédemment obtenues sur le style baroque en tant que phénomène culturel des XVIIe-XVIIIe siècles. dans ses principales manifestations - dans l'architecture, la peinture, la sculpture.
2. Développement des horizons des étudiants, capacité de voir la relation entre les types d'art dans le temps et dans l'espace. Apprenez à retracer le caractère d’une époque dans diverses formes d’art.
3. Développer la capacité des élèves à analyser des œuvres d'art.
4. Formation d'une attitude de goût et de valeur envers les phénomènes culturels du passé.

Formulaire de cours: cours de médias combinés.

Concepts et termes : baroque, affectation, volute, pilastres, télamons, mascarons, homophonie.

Matériels et équipements :

• Culture artistique mondiale : du XVIIIe siècle à nos jours. 11e année : manuel. pour l'enseignement général institutions / G.I.Danilov. – M. : Éditions Outarde, 2010 (p. 27-47, 103-111) ;
• rapports d'experts et de groupes de recherche ;
• ordinateur, projecteur, tableau blanc interactif ;

Série musicale :œuvres de C. Monteverdi, I.S. Bach, G.F. Haendel, A. Vivaldi.

Structure de la leçon :

1. Organisation du temps.
2. Message du sujet de la leçon.
3. Apprendre à connaître du nouveau matériel (« immersion dans le sujet »)
4. Performances par groupes de recherche.
5. Résumer la leçon.
6. Devoirs.

Pendant les cours

I. Moment organisationnel. Vérification de la préparation à la leçon.

II. Message du sujet de la leçon.

III. "Immersion" dans l'époque :

Professeur.

« …Mais avant la beauté du bâtiment et de la façade
La fontaine, le marbre et la clôture ont disparu.
Dans l'ornement torsadé tu verras ici et là
Casque victorieux et vases d'encens,
Colonnes, chapiteaux, pilastres et arcades
Vous verrez partout où vous regarderez,
Amours, monogrammes, tissés en secret,
Et les têtes des agneaux, entrelacées de corde,
Et vous trouverez la statue dans une magnifique niche,
Dans les motifs et les sculptures, il y a une corniche sous le toit lui-même... »

C'est ainsi que le poète français du XVIIe siècle Georges de Sudery décrivait ses impressions sur l'architecture baroque. Quel est ce style qui s’efforce de surprendre, de ravir et même d’étourdir le spectateur ?

Message d'expert :(Diapositive 3)

Il existe plusieurs versions de l'origine du terme :

1. de l'italien " Barucco» – une perle de forme irrégulière ;
2. “baroque» – une des formes du syllogisme scolastique (religieux-dogmatique) (raisonnement dans lequel deux prémisses sont unies par un terme commun) ;
3. de l'italien baroque bizarre, étrange;

Au XVIIIe siècle, le terme acquiert le sens d'une appréciation esthétique négative. Le baroque signifiait tout ce qui était contre nature, arbitraire, exagéré.

Dans les années 50 du XIXe siècle, commence la considération du baroque comme style historique, étape logique dans le développement de l'art de la fin de la Renaissance.

Dans les années 80 du XIXe siècle, une véritable « découverte » du baroque a eu lieu : son droit à exister en tant que phénomène artistique particulier a été reconnu.

Dans les années 20 du 20e siècle, une crise de la vision capitaliste du monde s'est produite. L’intérêt pour les versions locales et nationales du baroque s’éveille. Une périodisation est donnée et des limites historiques sont établies.

Professeur.(Diapositives 4-5)

Ainsi, le baroque est un style qui a dominé l'architecture et l'art des pays européens de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle.

L’ère baroque est l’une des époques les plus intéressantes de l’histoire de la culture mondiale. Il est intéressant pour son drame, son intensité, sa dynamique, son contraste et, en même temps, son harmonie, son intégrité, son unité. Pour notre époque – vague, incertaine, hyperdynamique, en quête de stabilité et d’ordre – l’ère baroque est inhabituellement proche dans son esprit.

Le berceau du baroque est l'Italie, où l'établissement d'un nouveau style a marqué la fin de la Renaissance avec sa vision harmonieuse du monde, sa croyance dans les possibilités illimitées de l'esprit humain et l'ordre de l'existence universelle.

À différentes époques, le terme « baroque » avait des significations différentes. Au début, cela avait une connotation offensante, impliquant une absurdité, une absurdité (cela remonte peut-être au mot portugais signifiant une vilaine perle). Actuellement, il est utilisé dans les œuvres d'histoire de l'art pour définir le style qui a dominé l'art européen entre le maniérisme et le rococo, c'est-à-dire depuis 1600 environ jusqu'au début du XVIIIe siècle. Du maniérisme baroque, l'art a hérité du dynamisme et de l'émotivité profonde, et de la Renaissance - la solidité et la splendeur : les caractéristiques des deux styles se sont harmonieusement fondues en un seul tout.

Le baroque, qui gravitait vers le « grand style » solennel, reflétait en même temps des idées sur la complexité et la diversité du monde, qui correspondaient à une nouvelle image de l'univers - changeante et conflictuelle, où l'obsolète et l'émergent sont en constante interaction. confrontation, et l'homme avec ses passions est confus, complexe le monde intérieur est souvent à la merci de forces irrationnelles.

Ce n'est pas un hasard si le baroque s'éloigne de la clarté et de la simplicité, préférant la rigueur géométrique et la ligne droite à une courbe exquise ; mouvement ordonné - semblable à un vortex ; couleur locale – des tons dorés chatoyants changeant sous l’influence du clair-obscur ou brillants, festifs, étonnamment disharmonieux dans leur son victorieux.

Caractéristiques caractéristiques du baroque : (Diapositive 6)

• échelle, contraste, abondance de décor,
• tension, images dynamiques, affectation, désir de grandeur et de faste,
• le désir d'effets illusoires dans l'organisation de l'espace intérieur (augmenter la taille des pièces à l'aide de miroirs, la hauteur des halls grâce à des abat-jour pittoresques avec une solution de perspective complexe) ;
• une combinaison de réalité et d'illusion, une fusion d'arts (ensembles de ville, de palais et de parc, opéra, musique religieuse, oratorio) ;
• en même temps, on note une tendance à l'autonomie des genres individuels (concerto grosso, sonate, suite en musique instrumentale).

Les traits les plus caractéristiques du baroque - fleuri et dynamique - correspondaient à la confiance en soi et à l'aplomb de l'Église catholique romaine nouvellement puissante. En dehors de l’Italie, le style baroque a pris ses racines les plus profondes dans les pays catholiques et, par exemple, en Grande-Bretagne, son influence était insignifiante.

Le baroque en architecture(Diapositives 7 à 16)

L'architecture baroque (L. Bernini, F. Borromini en Italie, B.F. Rastrelli en Russie) se caractérise par l'étendue spatiale, l'unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes.

• Il y a souvent des expansions à grande échelle colonnades, une abondance de sculptures sur les façades et les intérieurs, volutes, un grand nombre de croisillons, des façades cintrées avec contreventement au milieu, des colonnes bossagées et pilastres .
• Les dômes prennent des formes complexes, souvent à plusieurs niveaux, comme celles de la cathédrale Saint-Pierre de Rome.
• Détails caractéristiques du baroque - Télamons, cariatides, mascarons.

Volute(Voluta italienne - boucle, spirale), motif architectural en forme de boucle en spirale avec un cercle (« œil ») au centre, partie intégrante du chapiteau ionique, également inclus dans la composition des chapiteaux corinthiens et composites . La forme d'une volute est parfois façonnée par des détails architecturaux qui servent à relier des parties d'un bâtiment, ainsi que par des consoles de corniche, des cadres de portails, des portes et des fenêtres (principalement dans l'architecture de la fin de la Renaissance et du baroque).

Couleurs prédominantes et à la mode : couleurs pastel sourdes; rouge, rose, blanc, bleu avec un accent jaune.

Lignes: motif asymétrique convexe-concave fantaisie ; en formes demi-cercle, rectangle, ovale ; lignes verticales de colonnes ; division horizontale prononcée.

Formes: voûté, en forme de dôme, rectangulaire ; tours, balcons, baies vitrées.

Conceptions : contrasté, intense, dynamique ; prétentieux en façade et à la fois massif et stable.

Éléments intérieurs caractéristiques : désir de grandeur et de faste; de grands escaliers massifs ; colonnes, pilastres, sculptures, stucs et peintures, ornements sculptés ; relation entre les éléments de conception.

Grâce à la plasticité bizarre des façades, aux plans et contours curvilignes complexes, les palais et les églises baroques acquièrent pittoresque et dynamisme. Ils semblent se fondre dans l'espace environnant.

Analyse orale d'ensembles architecturaux de l'époque baroque :

• Ensemble Smolny. Architecte F.B. Rastrelli.
• Église Saint-Pierre et Paul. Architecte D. Trevano.
• Église de l'Intercession à Fili. 1693-1694 Moscou.
• Église de la Trinité à Nikitniki. 1631-1634 Moscou.
• Les plus grands ensembles baroques du monde : Versailles (France) Peterhof (Russie) Aranjuez (Espagne) Zwinger (Allemagne)

Professeur.

« Tout ce qui est pensé « clairement et distinctement » ou qui a une expression mathématique est vrai », déclare le philosophe Descartes. Le baroque est donc aussi le siècle de la Raison et des Lumières.

Le premier parc européen apparaît à Versailles, où l'idée de forêt s'exprime de manière extrêmement mathématique : les allées de tilleuls et les canaux semblent tracés à la règle, et les arbres sont taillés à la manière de figures stéréométriques. Pour la première fois, les armées en uniforme de l'époque baroque accordaient une grande attention au « forage » - l'exactitude géométrique des formations sur le terrain d'armes.

IV. Performances par groupes de recherche. "Grands créateurs de l'époque baroque"

1 groupe de recherche- "Lorenzo Le Bernin." (Diapositives 17 à 25)

Sculptures "Apollon et Daphné", "Le Viol de Proserpine", "David".

Question du public : LequelLes grands sculpteurs se sont-ils également tournés vers l’histoire biblique de David ?

Le Bernin a créé l'une de ses meilleures compositions, « L'Extase de sainte Thérèse » (1645-1652), alors qu'il était déjà un maître mûr.

La sculpture en marbre blanc est entourée d'une colonnade de marbre coloré et le fond est constitué de rayons dorés, symbolisant la lumière divine.

Le chef-d'œuvre de L. Bernini est un immense dais (ciboire) (29 m de haut) dans la cathédrale Saint-Pierre. Le ciboire (auvent) est situé dans l'espace du dôme au-dessus du maître-autel sur quatre colonnes torsadées sur lesquelles se dressent des statues d'anges.

La plus grande création architecturale du Bernin est la place devant la basilique Saint-Pierre de Rome. 1657-1663

2ème groupe de recherche– « L'architecte V.V. Rastrelli." (Diapositives 26 à 30)

• Monastère Smolny. Saint-Pétersbourg.
• Église Saint-André. Kyiv.
• Palais d'Hiver. Saint-Pétersbourg.

3 groupes de recherche– « Merveilleux motif » du baroque de Moscou. (Diapositives 31 à 33)

Le baroque en peinture.(Diapositives 34-35)

Professeur.

Les beaux-arts baroques sont représentés de la manière la plus vivante et la plus complète par la peinture monumentale décorative qui, élargissant les limites de l'espace réel, mettait l'accent sur l'idée de l'infinité du monde.

Ses thèmes principaux sont le triomphe de la justice divine, les récits allégoriques anciens, la glorification des victoires militaires, l'approbation de nouvelles lois, l'idée du pouvoir illimité de l'État et de l'Église.

La peinture baroque se caractérise par le dynamisme des compositions, la « planéité » et la splendeur des formes, l'aristocratie et l'originalité des sujets. Les compositions décoratives magistrales à caractère religieux, mythologique ou allégorique, les portraits d'apparat destinés à décorer les intérieurs et à souligner le statut social privilégié d'une personne, prédominent. Des portraits de cérémonie sont créés pour décorer les intérieurs.

L'idéalisation des images se conjugue avec une dynamique violente, des effets de composition et d'optique inattendus, la réalité avec la fantaisie, l'affectation religieuse avec une sensualité accentuée, et souvent avec un naturel aigu et une matérialité des formes, à la limite de l'illusion. Les œuvres d'art baroques comprennent parfois des objets et des matériaux réels (statues avec de vrais cheveux et dents, chapelles en os, etc.).

En peinture, l'unité émotionnelle, rythmique et coloristique de l'ensemble, la liberté du trait souvent sans contrainte, acquièrent une grande importance ; en sculpture, la fluidité picturale de la forme, le sens de la variabilité dans la formation de l'image, la richesse des aspects et des impressions. . La peinture italienne de la fin du XVIe siècle se caractérise par son manque de naturel et son incertitude stylistique.

Les artistes baroques considéraient que la tâche principale consistait à transmettre des sentiments et des expériences contradictoires, les nuances psychologiques les plus subtiles de l'âme humaine.

Un exemple frappant est le travail de Rubens et du Caravage.

Rechercher des performances de groupe "Grands peintres baroques"

4 groupes de recherche- « Michel-Ange du Caravage ». (Diapositives 36 à 41)

"Bacchus avec une coupe à la main." "Jeune homme, avec des fruits." "Joueur de luth". "Reposez-vous sur le chemin de l'Egypte." "L'Extase de Saint François". «La résurrection du Christ».

5 groupes de recherche– « Pierre Paul RUBENS » . ( Diapositives 42 à 49)

"La bataille des Amazones avec les Grecs." "Union de la Terre et de l'Eau." "Autoportrait avec Isabella Brant."

«Le viol des filles de Leucippe». "Danse paysanne" "Victoire et mort dans la bataille de Decius Musa."

Le baroque dans la littérature.(Diapositives 53 à 58)

"...Au milieu de la cour il y a une fontaine remplie à ras bord,
Le flux de cristal sonne sans se faner
Sur de l'albâtre mouillé, tombant d'en haut
Il y a là une centaine de monstres - une décoration de fontaine -
Plexus de corps extraordinairement bizarre,
Comme un vase, le cercle lumineux du bassin se soulève,
Il y a un pilier en pierre en dessous - il sert de support... »
Georges de Scudery, « Alaric ou la Rome vaincue », 1654

Professeur.

À l’époque baroque, le monde réel était perçu comme une illusion, un rêve. Les descriptions réalistes étaient souvent combinées à leur représentation allégorique.

Le style baroque a trouvé son expression dans la littérature. Et si l'architecture, la sculpture et la peinture luttaient pour l'unité, alors des phénomènes similaires peuvent être observés dans la littérature : Paroles aspire à la monumentalité, à la majesté. En même temps, il se caractérise par les détails et l'ornementation.

La littérature baroque se caractérise par un désir de diversité, une synthèse des connaissances sur le monde, l'inclusivité, un encyclopédisme qui se transforme parfois en chaos et en collection de curiosités, un désir d'étudier l'existence dans ses contrastes (esprit et chair, ténèbres et lumière, temps et éternité).

Les symboles, les métaphores, les techniques théâtrales, les images graphiques (les lignes de poésie forment une image), la richesse des figures rhétoriques, les antithèses, les parallélismes et les gradations sont largement utilisés.

Les œuvres ultérieures de Milton, ses poèmes sur des sujets bibliques : « Paradis perdu », « Retour au paradis », « Samson le combattant » peuvent également être attribués au style baroque.

Son œuvre se caractérise par : l'ampleur du poème ; une combinaison d'éléments sensuels et matériels avec une haute spiritualité ; images en relief; empilement de détails; la domination de l'idée de la dualité et de la contradiction de la vie, la lutte entre le bien et le mal.

Réalisations scientifiques du XVIIe siècle. a changé l'image du monde, révélant la profondeur tragique de l'univers, de l'âme humaine et du destin humain. Ils ont contribué à changer l'atmosphère générale de la vie spirituelle et intellectuelle. Une personne cultivée de cette époque voyait à quel point une vie trépidante est instable, comment « les minutes passent qui minent les jours, les jours qui rongent et dévorent les années » (Luis Gongora). Le sentiment de l'infini du monde, l'insécurité tragique de l'homme, l'incomparabilité du petit grain mortel et souffrant de la vie humaine et l'abîme immuable, froid et sans fin de l'espace - telles sont les découvertes spirituelles du baroque.

Un abîme s'est ouvert et est plein d'étoiles,
Les étoiles n'ont pas de numéro, le fond de l'abîme.
M. Lomonossov

Le baroque pose des questions adressées au ciel, à l'humanité, à nulle part (la question rhétorique est une figure favorite de la rhétorique baroque) :

Qui es-tu, ô homme ? Un vaisseau de douleur féroce,
L'arène de toutes les peines, les vicissitudes du ruisseau,
Boule lumineuse de la fortune, lumière des marais,
La neige fond au printemps, les bougies ne vacillent plus...
Gryphius

Dans l’art baroque, des opposés incompatibles coexistaient, créant une sorte d’harmonie. Et l’expressivité solennelle de l’art baroque était tissée de contrastes.

Devant nous se trouve une image baroque du monde :
Jeu des temps, course inconstante,
Sur la scène de l'existence à la veille de la perte
Il est exalté, il est déchu, il a besoin de chambres,
Pour lui il y a un toit troué, qui règne, qui tisse.
Hier est parti, un moment de bonheur s'envole
Balaie un nouveau jour et demain s'enfonce dans l'abîme,
Le feuillage vert se fanera et se fanera,
Et le tranchant de l’épée tombera sur la soie délicate.
Gryphius

La littérature baroque a été créée par de nombreux autres auteurs célèbres.

Parmi eux se trouvent généralement le poète italien T. Tasso, le dramaturge espagnol T. de Molina et P. Calderon (dans la pièce "La vie est un rêve" - ​​le héros comprend que le mauvais destin ne peut être vaincu par la vengeance, que la principale victoire dans la vie est une victoire sur soi-même et non sur un autre ; que le reste de vos jours passera comme un rêve. Et après vous être réveillé dans une autre vie, vous devrez répondre de tout), les Anglais J. Milton et J. Bunyan. Les chercheurs trouvent des éléments baroques à la fois chez Cervantes et dans les œuvres ultérieures de William Shakespeare.

Que sont traits caractéristiques de la littérature baroque?

1) contraste entre la vie et la mort ; 2) contraste ; 3) questions rhétoriques ; 4) un sentiment d'infinité du monde, d'insécurité tragique de l'homme ; 5) une image de variabilité et d'impermanence de la vie humaine.

Culture musicale baroque. Caractéristiques générales (Diapositives 59, 60)

Discours des groupes de recherche « Compositeurs baroques » (Diapositives 61-64)

Claudio Monteverdi. Georges-Frédéric Haendel. Jean-Sébastien Bach. Antonio Vivaldi.

(Lors des représentations étudiantes, des fragments d'œuvres de compositeurs sont entendus)

V. Résumer la leçon.

Professeur. L’artiste et critique d’art I.E. Grabar affirmait : « La Haute Renaissance est déjà aux trois quarts baroque. »

Questions à débattre :

Le baroque a-t-il conservé les traits de la Renaissance ? Quelque chose de vraiment nouveau est-il apparu ?

Déclarations d'étudiants, discussion.

Professeur. Dans différents pays, l'architecture baroque s'est manifestée de différentes manières.

Mais des traits et des signes caractéristiques se retrouvent partout :

• plans curvilignes complexes ;
• plastique mural puissant;
• créer une synthèse d'arts unis par un concept et un style communs ;
• création d'ensembles architecturaux majestueux dans les villes et palais et parcs dans les résidences de campagne ;
• une abondance de sculptures en or, en bois et en pierre, de détails décoratifs et de sculptures luxuriants ;
• riche jeu de couleurs et de lumière.

Il s'agit d'un style basé sur l'utilisation de formes d'ordre classiques, portées à un état de tension dynamique, atteignant parfois des convulsions.

VI. Devoirs:

remplissez le tableau « Caractéristiques de l'époque baroque » (Diapositive 67)

A la fin de la leçon, je voudrais citer les paroles de P.P. Muratova : « …Le baroque n'est pas seulement un style architectural, ni même un nouveau principe artistique. C'est toute une époque dans l'histoire de la morale, des concepts et des relations, un phénomène qui n'est pas seulement esthétique, mais aussi psychologique. Le baroque n’avait pas seulement ses propres églises et palais, il avait aussi son propre peuple, sa propre vie. »

Bibliographie:

1. Sokolnikova N.M. Un bref dictionnaire de termes artistiques - Obn., 1996.
2. Emokhonova L.G. Art mondial. – M., 1999.
3. Gnedich P.P. Histoire mondiale de l'art. – M., 1996.
4. СD – Encyclopédie artistique de l'art étranger. –M., 2004.
5. CD – Ornement. Encyclopédie électronique. –M., 2004.
6. CD – Histoire de l’art. Encyclopédie électronique. –M., 2004.

Ressources Internet :

• www.rusedu.ru
• mou41.togliatty.rosshkola.ru
• imc.rkc-74.ru
• www.rusedu.ru
• www.openclass.ru
• www.it-n.ru

Travaux de cours

"Esthétique baroque"

INTRODUCTION

1.1 Raisons de l'apparition du baroque

2.1. Essence, principes et esthétique du baroque

CONCLUSION

INTRODUCTION

On sait que dans l'histoire de la culture, chaque époque est un entrelacement de divers processus qui reflètent de différentes manières son essence et sa réalité. L’époque baroque en est un exemple frappant.

Le baroque est une culture européenne des XVIIe et XVIIIe siècles dont les principales caractéristiques sont le contraste, le désir de grandeur et de luxe, la combinaison de la réalité avec l'allusion, les images dynamiques et la tension. Le baroque est apparu en Italie (Florence, Venise, Rome) et de là s'est répandu dans toute l'Europe. L'ère baroque est considérée comme le début de l'implantation des fondements de la « civilisation occidentale » dans le monde ; elle a largement prédéterminé la dynamique de formation des cultures d'autres époques. Le style baroque, au fur et à mesure de sa diffusion, devient populaire tant en Occident qu'en Russie.

Avec un certain degré de probabilité, on peut affirmer que le baroque influence encore directement la culture de notre temps - à travers des exemples de l'art de ses représentants exceptionnels, aujourd'hui conservés dans les musées, ou exposés au public comme exemples de l'architecture européenne. villes. Cela détermine la pertinence d’étudier l’époque baroque.

Formulons les principaux buts et objectifs de ce cours.

Notre objectif principal sera d'étudier l'époque baroque dans son ensemble : son essence, son histoire, sa signification.

Conformément à l'objectif, nous soulignons les objectifs suivants du cours :

Identifier les raisons de l'émergence du baroque en tant que style culturel ; se familiariser avec l'histoire du terme baroque ;

Analyser l'essence et les principes du baroque, étudier les bases de l'esthétique baroque, donner des exemples de l'incarnation du baroque dans l'art européen aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Les buts et objectifs spécifiés forment la structure du travail de cours, qui consiste en une introduction, une partie principale composée de deux chapitres de deux paragraphes chacun, une conclusion, une liste de références et d'applications.

Lors de l'étude de l'ère baroque, nous avons utilisé le livre conceptuel de H. Welfin « Renaissance et baroque », ​​qui nous a permis de comprendre l'essence de cette époque culturelle, ainsi que des publications fondamentales telles que l'Histoire générale en 24 volumes, édition 1997, Histoire de l'Art des Pays Étrangers, année 1980, ainsi que de l'Histoire Mondiale de l'Architecture 1978. De plus, nous avons utilisé la littérature spéciale des auteurs suivants : Y. Boreev, A. Vasilyev, M. Vinogradov, F. Dass, V. Kolomiets, T. Livanova et V. Lipatov, ainsi que quelques autres.

Chapitre I. Baroque : histoire de l'apparition, sens du terme

1.1 Raisons de l'apparition du baroque

Chronologiquement, le baroque apparaît au XVIIe siècle. Cette chronologie implique que ce style a remplacé la Renaissance. C’est pourquoi le mot « baroque » est souvent utilisé pour désigner l’époque où la Renaissance s’est dissoute ou, comme on dit souvent, où la Renaissance a dégénéré.

En effet, le baroque est né en Italie, c’est-à-dire le pays dans lequel la Renaissance s’est le plus fortement manifestée. C'est pourquoi, dans le cadre de l'étude des raisons de l'émergence du baroque, il semble nécessaire de donner une brève description de la Renaissance.

Ainsi, la Renaissance est une époque de l’histoire culturelle de l’Europe. Le cadre chronologique de son apogée est les XIVe-XVIe siècles. Un trait distinctif de la Renaissance, ou Renaissance, est l'orientation laïque de sa culture et son intérêt pour l'homme et ses activités, c'est-à-dire ce qu'on appelle l'anthropocentrisme. Durant cette période, l'intérêt pour la culture ancienne s'est manifesté, sa « renaissance » a eu lieu, et c'est de là que vient ce terme. En Italie, pays où a commencé la Renaissance, la peinture, la musique, l’architecture et la littérature atteignent de nouveaux sommets. La Renaissance atteint son apogée à la fin du XVe siècle et au XVIe siècle commence une crise de ses idées. Les historiens de la culture notent que c'est durant cette période qu'apparaissent les premiers débuts de nouvelles idées de maniérisme et de baroque.

Ainsi, le baroque est apparu dans le contexte d'une crise des idées de la Renaissance, et est apparu là même où la Renaissance a atteint son apogée - en Italie.

Analysons les raisons de ce phénomène apparemment paradoxal.

Comme indiqué ci-dessus, le baroque se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, le désir de grandeur et de splendeur, de combiner réalité et illusion, de fusion et en même temps - une tendance à l'autonomie des genres individuels.

Les fondements idéologiques du style se sont formés à la suite du choc que fut la Réforme et les enseignements de Copernic au XVIe siècle. L'idée du monde, établie dans l'Antiquité, comme unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance selon laquelle l'homme est l'être le plus intelligent, ont changé. Une personne a cessé de se sentir « l’être le plus intelligent » : s’étant gâtée, elle se rend compte, selon les mots de Pascal, qu’elle est « quelque chose entre tout et rien » ; "à ceux qui ne saisissent que l'apparence des phénomènes, mais sont incapables de comprendre ni leur commencement ni leur fin"

L'Italie du XVIIe siècle est un pays auquel le style Renaissance lui-même est associé, comme on dirait aujourd'hui, un pionnier. Cependant, dans le même temps, ce pays perd fortement sa puissance économique et politique et commence à jouer un rôle secondaire dans la politique européenne. De plus, des usurpateurs – soldats français et espagnols – viennent sur son territoire. Le pays devient une semi-colonie divisée.

Cependant, l’Italie, et en premier lieu Rome, restait le centre culturel de l’Europe. Peu à peu, en raison de ces facteurs, pourrait-on dire, socio-économiques, un nouveau style commence à émerger, dont la première tâche était de créer l'illusion de la richesse et du pouvoir, la montée de l'Église catholique et de la noblesse italienne, qui avaient rien d'autre qu'un levier culturel. Peu à peu, le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions comme des préjugés. Le principal leitmotiv du baroque de cette époque était le rejet de l’âme et le passage aux Lumières et à la raison.

Il n’est cependant pas correct de considérer l’ère baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque représente une phase indépendante dans le développement de l'art et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie. Par ailleurs, le baroque, bien qu’apparu en Italie, s’est très vite répandu dans toute l’Europe.

Partant de ce postulat, il semble nécessaire de donner une description générale de l’Europe occidentale au XVIIe siècle.

L’Europe occidentale dans son ensemble entre, au cours de cette période, dans une nouvelle ère de relations socio-économiques et politiques. Cette période est caractérisée principalement par le choc des visions du monde de classe, la lutte entre le féodalisme traditionnel et le capitalisme progressiste. Dans un certain nombre d'États (par exemple en France et en Autriche), il existe une centralisation du pouvoir d'État et une transition vers l'absolutisme. Cependant, ce processus lui-même est clairement inégal. Voici quelques exemples de pays européens :

Une révolution bourgeoise a déjà lieu en Hollande et les relations bourgeoises se sont développées ;

En France, déjà mentionnée, fleurit le pouvoir absolu du roi ;

En Angleterre, le renversement du roi et la révolution bourgeoise ont lieu ;

L'Italie devient une semi-colonie divisée ;

L'Espagne est un pays arriéré ;

L'Allemagne est une somme de petites principautés et la guerre de Trente Ans s'y déroule.

Dans toute l’Europe, les couches sociales dirigeantes deviennent la bourgeoisie, la paysannerie et l’aristocratie. Cependant, malgré le développement inégal des pays européens dans leur culture, une influence croissante est accordée à de nouveaux points fondamentaux qui sont devenus la base du baroque.

La base idéologique de la propagation du baroque en Europe était l'affaiblissement général de la culture spirituelle, la scission de l'Église - conséquence du déclin de son autorité et la lutte entre des enseignements reflétant les intérêts des différentes classes. Ainsi, le catholicisme restait la base idéologique des tendances féodales, tandis que le protestantisme reflétait les intérêts de la bourgeoisie. Dans le même temps, le rôle des institutions étatiques se renforce et la lutte entre les principes laïques et religieux s’intensifie. Les sciences naturelles – optique, physique, thermodynamique et géographie – se développent rapidement.

Soulignons ainsi les principales raisons de la diffusion du baroque.

Chronologiquement, le baroque apparaît au XVIIe siècle, en Italie, sur fond de crise des idées de la Renaissance. Durant cette période, l’Italie elle-même perdit son importance économique et politique et devint une semi-colonie désunie, tout en restant le centre culturel de l’Europe. Peu à peu, pour ces raisons socio-économiques, un nouveau style commence à émerger, dont la première tâche était de créer l'illusion de richesse et de pouvoir, la montée de l'Église catholique et de la noblesse italienne, qui n'avaient que des leviers culturels ;

En même temps, il n’est pas correct de considérer l’ère baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque représente une phase indépendante dans le développement de l'art et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie. Par ailleurs, le baroque, bien qu’apparu en Italie, s’est très vite répandu dans toute l’Europe. Sur cette base, on peut affirmer que le baroque reflétait l'humeur de l'ensemble de la société européenne, était en demande et ne pouvait donc pas se développer sans conditions préalables, et ces conditions préalables étaient largement différentes selon les pays européens ;

La base idéologique de la propagation du baroque en Europe était l'affaiblissement général de la culture spirituelle, la scission de l'Église - conséquence du déclin de son autorité et la lutte entre des enseignements reflétant les intérêts des différentes classes. Dans le même temps, le rôle des institutions étatiques se renforce et la lutte entre les principes laïques et religieux s’intensifie. Les sciences naturelles – optique, physique, thermodynamique et géographie – se développent rapidement. Cela signifie que les conditions préalables apparaissent pour le leitmotiv principal du baroque - le rejet de l'âme, de l'anthropocentrisme et de la Renaissance dans son ensemble, en faveur des Lumières et de la raison.

1.2 Origine du terme « baroque »

Le terme baroque est apparu un peu plus tard que la direction artistique elle-même. Actuellement, les études culturelles ont plusieurs versions de l'origine du terme, à savoir :

Du mot italien « baruecco ». Une traduction approximative de ceci est une perle de forme irrégulière. Utilisé comme argot par les marins portugais médiévaux. Plus tard, au XVIe siècle, il apparaît en italien comme synonyme de tout ce qui est grossier, faux, maladroit.

- « baroco » – en logique, une des formes du syllogisme, c'est-à-dire un raisonnement dans lequel deux prémisses sont unies par un terme commun ;

De plus, en France, les bijoutiers l'appelaient le mot « baroque », signifiant des termes tels qu'adoucir le contour, rendre la forme douce et pittoresque.

Plus tard, au XVIIIe siècle, le terme a acquis le sens d'une évaluation négative et négative de l'esthétique. Ce terme a été inventé par le critique Théophile Gautier. Tout ce qui était grossier et maladroit était appelé baroque. En général, ce terme était initialement utilisé pour désigner une caractéristique de la culture telle que son déclin ou son achèvement. Le terme était souvent utilisé avec dérision et évaluait généralement toute l’époque du point de vue d’une personne du XVIIIe siècle. Cependant, cela n'a duré que jusqu'au milieu du XIXe siècle, jusqu'au développement de nouvelles idées culturelles.

Au fil du temps, le terme « baroque » a perdu sa connotation négative et a commencé à être utilisé en relation avec la sculpture, la peinture, la musique et la littérature. Certains historiens de l’art en sont venus à considérer la Renaissance et le baroque comme l’expression de deux principes alternés, dont aucun ne peut prétendre à la priorité.

Ainsi, pour la première fois, le terme « baroque » fut utilisé par H. Wölfflin pour décrire un mouvement culturel.

Dans son livre « Renaissance et baroque » (1888), écrit par lui à Rome, et dans ses ouvrages ultérieurs, Wölfflin définit le baroque comme l'étape la plus élevée et critique du développement de tout style artistique : la première étape est archaïque, la seconde est classique, le troisième est baroque. D'où l'opposition entre le classicisme et le baroque non seulement en tant que styles artistiques historiques concrets, mais aussi en tant que phases de développement constamment répétées et actualisées dans l'histoire des méthodes de formation, qui n'impliquaient naturellement plus de caractéristiques négatives.

L'historien de l'art M. Dvorak, adversaire de Wölfflin, considérait le style baroque comme un produit du maniérisme, mais en même temps comme un niveau de « développement de l'esprit » plus élevé que le classicisme.

Lorsqu'on étudie l'origine du terme « baroque », il est nécessaire de prendre en compte les faits suivants : Le baroque est un style incomplètement étudié. Le baroque peut donc être défini non seulement comme un style, mais aussi comme une certaine vision du monde. Ceci est confirmé par le fait que les chercheurs modernes comparent l'ère baroque, en termes d'échelle, à l'Antiquité et à la Renaissance.

Actuellement, le terme « baroque » fait référence à un certain nombre de styles artistiques historiques et régionaux de l'art européen des XVIIe et XVIIIe siècles, aux dernières étapes critiques du développement d'autres styles, à la tendance à une attitude agitée et romantique, à une pensée en formes expressives et déséquilibrées.

Le mot « baroque » est également utilisé comme métaphore. Chaque période historique du développement de l'art voit son propre « baroque » - le sommet de la croissance créative, de la concentration des émotions, de la tension des formes. Les chercheurs parlent et écrivent sur les qualités du baroque en tant que propriété intégrante des cultures nationales individuelles et des types d'art historiques. Dans les études culturelles, les styles néo-baroque, « second baroque » et « ultra-baroque » sont connus.

De manière générale, on peut constater que le concept de « baroque » est actuellement répandu dans le domaine de la critique artistique et littéraire dans de nombreux pays. Les changements fondamentaux survenus dans ses appréciations indiquent que « baroque » ne signifie pas seulement une caractéristique d’un style artistique et esthétique. Au contraire, ce terme devient un nom commun. Le concept moderne du baroque reconnaît à ce concept un certain statut culturel et historique.

Résumons donc quelques conclusions concernant cette partie de notre présentation.

Le terme baroque apparaît un peu plus tard que le mouvement artistique lui-même. L'étymologie de ce mot vient très probablement de l'argot, qui désignait d'abord une perle de forme irrégulière, et fut ensuite utilisé comme synonyme de tout ce qui est grossier et faux ;

Cette histoire de l'origine du terme indique qu'au début, ce terme signifiait une caractéristique négative de l'ère culturelle et historique elle-même dans son ensemble, était souvent utilisé en ridicule et évaluait généralement l'époque entière du point de vue d'une personne de le 18ème siècle. Ce n'est que bien plus tard, au XIXe siècle, que le baroque commence à être considéré, avec la Renaissance, comme l'expression de deux principes alternés, dont aucun ne peut prétendre à la priorité ;

Actuellement, le terme « baroque » fait référence à un certain nombre de styles artistiques historiques et régionaux de l'art européen des XVIIe et XVIIIe siècles, aux dernières étapes critiques du développement d'autres styles, à la tendance à une attitude agitée et romantique, à une pensée en formes expressives et déséquilibrées. Le concept de « baroque » est actuellement répandu dans le domaine de la critique artistique et littéraire dans de nombreux pays, et il est reconnu comme ayant un certain statut culturel et historique.

Chapitre II. L'essence et les exemples d'incarnation de l'esthétique baroque

2.1 Essence, principes et esthétique du baroque

Maintenant, après avoir étudié les conditions préalables à l'apparition et à l'histoire du terme « baroque » lui-même, nous étudierons l'essence, les principes et les fondements de l'esthétique de ce style.

Étudions les caractéristiques de l'esthétique baroque. L'esthétique en général fait référence à l'essence et aux formes de la beauté dans la créativité artistique, l'art et la vie.

Parlons de ce qui était considéré comme beau dans l'art baroque. Pour ce faire, nous devons nous souvenir de l’histoire de ce style artistique. Comme on s'en souvient, le baroque est apparu dans le contexte d'une crise des idées de la Renaissance, et est apparu là même où la Renaissance a atteint son plus grand épanouissement - en Italie. Partant de là, ce qui était parfois considéré comme beau dans le baroque était ce qui était laid dans l’art de la Renaissance. Le baroque se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, le désir de grandeur et de splendeur, de combiner réalité et illusion, de fusion et, en même temps, une tendance à l'autonomie des genres individuels. L'idée du monde, établie dans l'Antiquité, comme unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance selon laquelle l'homme est l'être le plus intelligent, ont changé. L’homme ne se sent plus « l’être le plus intelligent » ; au contraire, il doute de sa propre rationalité. Une sorte de période baroque (une période d’effondrement, de déclin) peut être trouvée à n’importe quelle époque.

Ce sont ces faits qui sont particulièrement importants lorsqu’on parle d’esthétique baroque. Ce n’est pas un hasard si le baroque a longtemps été considéré comme quelque chose de négatif et de dégénéré. En effet, un tel sentiment peut surgir si l’on compare exclusivement le baroque à la Renaissance.

En même temps, si nous regardons plus largement, nous verrons que le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance dépassée. Pour le baroque, ce qui importe avant tout, ce n’est pas le rejet mécanique de tout ce qui touche à l’Antiquité et à la Renaissance, non. Le baroque recherche plutôt de nouvelles formes pour comprendre le beau monde qui nous entoure et l'esprit. À la Renaissance, l’homme était au premier plan. Les figures baroques estimaient qu'elle avait été suffisamment étudiée et préféraient parler de raison, rejetant la composante spirituelle. Ces tendances sont l’essence, la base pour comprendre l’esthétique du baroque, son éternelle antithèse.

Le baroque était un développement des principes posés à la Renaissance, cependant, en raison d'un changement radical dans l'orientation esthétique principale (ne plus suivre la nature créée, mais l'améliorer dans l'esprit des normes idéales de beauté), il donne à ces principes une nouvelle portée, dynamique et caractère décoratif. L'amour de la métaphore, de l'allégorie et de l'emblème atteint désormais son apogée ; cependant, à travers les formes et les significations bizarres, parfois semi-fantastiques, à travers toutes les métamorphoses du baroque, un principe naturel fort émerge.

Différents types d'art interagissent plus activement au baroque (par rapport à la Renaissance), créant un « théâtre de la vie » multiforme mais unifié qui accompagne la vie réelle sous la forme de son jumeau festif. C'est pourquoi le baroque se répand si activement dans toute l'Europe, exprimé dans différents éléments - architecture, sculpture, peinture, littérature, musique. De plus, avec un certain degré de probabilité, on peut affirmer que le baroque, par exemple en Italie, et le baroque en Espagne sont des traditions et des styles artistiques différents. Cela est dû au fait que le baroque représente plus une idée générale que des lignes directrices claires pour l'action, d'où les raisons d'un baroque si différent et si identique, un style qui s'est répandu de l'Amérique latine à la Russie et a laissé partout des modèles de son développement.

Le concept artistique du baroque considère l'esprit comme la principale force créatrice ; la base de cet esprit est la capacité de rassembler des choses différentes. De cet esprit naît une attitude particulière envers la métaphore, l'emblème, qui représente esthétiquement une manière plus élégante d'exprimer le sens artistique que la symbolisation adoptée comme base à la Renaissance.

Le baroque met au premier plan la capacité de surprendre et d’étonner par la nouveauté. C’est pour cela que le baroque autorise des éléments grotesques et laids dans ses œuvres, c’est pourquoi il est si fantastique. La pensée théorique du baroque s'écarte de la pensée de la Renaissance selon laquelle l'art (en particulier les beaux-arts) est une science, qu'il repose sur les lois de la pensée logique, que l'art est provoqué par des tâches de cognition. Au contraire, le baroque souligne le fait que l’art est profondément différent de la logique de la science. L'esprit, dans le baroque, est un signe de génie. Le don artistique est donné par Dieu et aucune théorie ne peut aider à l’acquérir.

À l’époque baroque, la vision du monde de l’homme était non seulement divisée, mais elle a finalement perdu son intégrité et son harmonie. La vision du monde et la perception du monde d’une personne ont compris la profondeur et la contradiction interne de l’existence, de la vie humaine et de l’univers. C’est le vrai sens de l’esthétique baroque.

Ainsi, en général, le baroque est un mouvement artistique qui reflète la conception en crise du monde et de la personnalité. Les héros baroques sont soit des martyrs exaltés qui ont perdu confiance dans le sens et la valeur de la vie, soit des connaisseurs raffinés de ses charmes et pleins de scepticisme. Le concept artistique du baroque est d'orientation humaniste, mais il est socialement pessimiste ; il contient des doutes sur les capacités humaines, un sentiment de futilité de l'existence et la condamnation du bien à vaincre dans la lutte contre le mal.

En général, le baroque, comme d'autres styles culturels et historiques, se caractérise par une certaine vision du monde et une certaine philosophie, ainsi que par d'autres caractéristiques spécifiques.

Regardons-les de plus près. Il est caractéristique de la vision du monde d'un homme de l'époque baroque qu'il voyait l'ordre principal de la vie dans ses contradictions et croyait qu'il n'y avait rien qui n'ait son antipode.

Les historiens de la culture identifient comme une catégorie particulière dans l'étude du baroque ce qu'on appelle l'antinomie - des opposés incompatibles les uns avec les autres, qui présentent ensemble une certaine harmonie et esthétique. Cette antinomie est extrêmement importante pour comprendre l’essence du baroque. Les chercheurs notent que cette « consonance du dissonant » se manifeste dans pratiquement tous les traits du baroque. Les antinomies les plus caractéristiques du baroque sont considérées :

Relation entre chaos et ordre ;

L'homme est à la fois tout et rien ;

Contraste entre la vie et la mort.

De plus, il existe certaines oppositions à des niveaux de connaissance de l'existence tels que le temps, l'espace et la pensée.

Il est typique de la philosophie de l'époque baroque de voir la fragmentation et la contradiction dans le fondement même des choses (cela est particulièrement visible si on le compare aux tendances à l'harmonie et à l'unité caractéristiques de la Renaissance).

Les particularités, spécificités du baroque, par rapport aux autres cultures, sont :

Émotivité accrue ;

Un dynamisme évident ;

Émotivité, contraste des images ;

Une grande importance est accordée aux effets et éléments irrationnels.

Résumons les principaux résultats de l'étude de cette question :

L'essence de l'esthétique baroque réside dans le fait qu'à l'époque baroque, l'idée du monde, établie dans l'Antiquité, en tant qu'unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance de l'homme en tant qu'être le plus intelligent, ont changé . L’homme ne se sent plus « l’être le plus intelligent » ; au contraire, il doute de sa propre rationalité. Ainsi, dans l’esthétique baroque, ce qui était parfois considéré comme beau était ce qui était laid, par exemple à la Renaissance. En même temps, si nous regardons plus largement, nous verrons que le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance dépassée. Pour le baroque, ce qui importe avant tout n'est pas le rejet mécanique de tout ce qui est associé à l'Antiquité et à la Renaissance, mais de nouvelles formes de compréhension du beau monde qui nous entoure et de l'esprit. À la Renaissance, l’homme était au premier plan. Les figures baroques estimaient qu'elle avait été suffisamment étudiée et préféraient parler de raison, rejetant la composante spirituelle. Ces tendances constituent l’essence, la base de la compréhension de l’esthétique baroque.

Le baroque en tant que mouvement artistique reflète une conception en crise du monde et de la personnalité. Le concept artistique du baroque est orienté humaniste, mais socialement pessimiste : il contient des doutes sur les capacités humaines, un sentiment de futilité de l'existence et la condamnation du bien à être vaincu dans la lutte contre le mal ;

La particularité, les spécificités du baroque, par rapport aux autres cultures, sont : une émotivité accrue ; un dynamisme évident ; émotivité, contraste des images ; une grande importance est accordée aux effets et éléments irrationnels. Ces caractéristiques se manifestent le plus clairement dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art de divers pays européens ;

2.2 Exemples de mise en œuvre de l'esthétique baroque

Illustrons les caractéristiques du baroque décrites ci-dessus en relation avec l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art dans différents pays européens aux XVIIe et XVIIIe siècles. . Faisons immédiatement une réserve sur le fait que le baroque dans différents pays européens impliquait parfois des tendances culturelles différentes.

Baroque en architecture et en sculpture.

Michel-Ange est appelé le « père » de l'architecture baroque, car dans ses statues, ses bâtiments et ses dessins, il y a à la fois un retour aux valeurs spirituelles du Moyen Âge et la découverte constante de nouveaux principes de forme. bâtiment. Buanarotti, dans les dernières années de sa vie, après avoir épuisé les possibilités de la plastique classique, a créé des formes expressives sans précédent. Ses personnages du « Plafond Sixtine » sont représentés non pas selon les règles de l'anatomie plastique, mais selon d'autres forces irrationnelles animées par l'imagination de l'artiste lui-même. Cela révèle l'un des premiers signes du baroque : la redondance des moyens et la confusion des échelles. Si dans l'art du classicisme toutes les formes sont clairement définies et délimitées les unes des autres, alors le « Plafond Sixtine » de Michel-Ange est donc la première œuvre du style baroque, car il y a eu une collision de figures dessinées, mais sculpturales au toucher, et un cadre architectural incroyable peint au plafond, pas du tout cohérent avec l'espace réel de l'architecture. G. Vasari, chroniqueur de la Renaissance, qualifie ce style de « bizarre, extraordinaire et nouveau ».

Ainsi, l’architecture baroque se caractérise par l’étendue spatiale, l’unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes.

Analysons les caractéristiques de l'architecture et de la sculpture baroques par pays.

Dans l'architecture italienne, le représentant le plus éminent était Carlo Maderna. Sa principale création est la façade de l'église de Santa Susanna, achevée en 1603. Le personnage principal du développement de la sculpture baroque fut Lorenzo Bernini. Outre ces figures, P. Cortona, G. Guarini, R. Rainaldi et B. Lorena ont apporté leur contribution au développement du baroque.

Ses premières œuvres dans ce style remontent à 1620. Une école distincte de baroque en Italie comprend ce qu'on appelle le baroque sicilien, qui s'est développé après le tremblement de terre de 1693.

Le style baroque en architecture se répand en Espagne, en Allemagne, en Flandre, aux Pays-Bas, en Russie et en France.

En Espagne, le monument baroque le plus populaire est la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle. Dans ce pays, le baroque architectural est appelé « churrigiresco » (en l'honneur de l'architecte José Churighera). De là, le baroque espagnol s'est répandu en Amérique latine, où il s'est mélangé aux traditions architecturales nationales, donnant naissance au type de baroque le plus élaboré : l'ultra-borocco.

En France, le style baroque est présenté de manière beaucoup plus modeste. Le château de Versailles, le bâtiment de l'Académie française des sciences, le palais du Luxembourg, etc. sont généralement classés comme baroques français. Un trait caractéristique du style architectural baroque en France est un certain style d'art paysager (parc de Versailles). En France, au XVIIIe siècle, le style baroque se transforme en rococo, qui se répand à son tour dans toute l'Europe.

En Flandre, l'architecture baroque est représentée par l'ensemble de la Grand Place (Bruxelles), ainsi que par la maison Rubens à Anvers.

En Allemagne, le monument baroque le plus remarquable est le Nouveau Palais d'Été de Sanssouci.

En Russie, le baroque apparaît au XVIIe siècle et se développe à l'époque de Pierre, lors de la construction de Saint-Pétersbourg et atteint son apogée sous Elisabeth Petrovna. Les principaux noms associés au baroque dans l'architecture russe sont B. Rastrelli, D. Trezzini et S. Chevakinsky. L'œuvre la plus significative est celle de Peterhof.

En général, le baroque en tant que style architectural a commencé au XVIe siècle (où il est associé au nom de Michel-Ange) et s'est terminé à la fin du XVIIIe siècle. Ce style s'est répandu en Italie, en France, en Allemagne, en Flandre, en Espagne et en Russie. La caractéristique principale est l’étendue spatiale, l’unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes.

Passons à la musique baroque.

Conventionnellement, la musique baroque fait référence aux nombreux styles de composition qui ont existé en Europe pendant 150 ans, aux XVIIe et XVIIIe siècles. Il faut ici noter que le terme « baroque » en relation avec la musique a commencé à être utilisé relativement récemment (à partir du début du 20e siècle).

Les principaux instruments de la musique baroque sont la viole, le luth, la guitare baroque et le violon baroque.

Les principaux moments marquants de l'histoire de la musique baroque sont la création de l'opéra en Italie, de l'oratorio (divulgation du contenu dramatique par des moyens musicaux) également en Italie, ainsi que des cantates et des sonates.

Le principal leitmotiv de la musique instrumentale est la création d’ensembles instrumentaux avec le rôle principal du violon. Le genre des suites se développe également.

Historiquement, la musique baroque est divisée en :

Musique du début du baroque - 1600 - 1654. (le représentant principal est Claudio Montervedi ; les traits caractéristiques sont la période de transition depuis la musique de la Renaissance) ;

Musique du baroque mature - 1654 – 1707. (représentants - Jean Baptiste Lupi, Arcangelo Carelli, se distingue du premier par la diffusion d'un nouveau style, augmentant la séparation des formes musicales, notamment dans l'opéra) ;

Et la musique du baroque tardif - 1707 - 1764. (représentants Antonio Vivaldi, Johann Bach. Caractéristiques - transition vers la musique du classicisme).

La musique baroque s'est développée en Italie, en Allemagne, en Espagne, au Portugal, en France et en Autriche et constitue une sorte de modèle de transition de la musique de la Renaissance à la musique classique. Les principaux événements de cette période furent la création d'une suite d'opéra, d'oratorio, de cantate et de sonate.

Étudions la littérature baroque.

Les écrivains de l’époque baroque percevaient le monde réel comme un rêve ou une sorte d’illusion. Un trait caractéristique est une combinaison de réalité et d'allégorie. La littérature de cette période utilise largement les métaphores, les oxymores, les antithèses, et se caractérise également par un désir de diversité et d'encyclopédisme. La littérature baroque est marquée par le symbolisme, l'attention portée au thème de la fragilité, de l'impermanence, de la nuit et du sommeil. Dans le même temps, les actions des œuvres littéraires sont souvent transférées au monde antique et la prétention et les métaphores se répandent dans la poésie.

Les genres caractéristiques de la littérature baroque sont le sonnet, le roman satirique, la pastorale, les concetti, etc.

Représentants exceptionnels de la littérature baroque - G. Grimmelshausen, P. Calderon, D. Marino (Italie), Luis de Gongora et Argotte (Espagne), V. Voiture (France), F. Prokopovich, M. Lomonosov, S. Polotsky (Russie ) .

Jetons un coup d'œil rapide au tableau.

Le style baroque en peinture se caractérise par le dynamisme des compositions, l'aristocratie et les sujets inhabituels. Les caractéristiques les plus reconnaissables sont la floraison et le dynamisme.

En Italie, la peinture baroque est représentée par des maîtres tels que Michelangelo Merisi, Andrea del Pozzo et les frères Carracci. Parmi les écoles baroques d’Italie, la plus célèbre est l’école vénitienne. Les peintures sont principalement peintes sur des thèmes religieux, comparant la vie des contemporains de l'artiste et des Hellènes, avec une grande attention portée à certains gestes qui indiquent le caractère.

En France, la peinture baroque est représentée principalement par les œuvres du peintre Iasinte Riga, ainsi que de ses imitateurs Simon Vouet et Charles Lebrun. Les portraits de cérémonie sont un trait caractéristique.

En Espagne, le baroque est associé aux noms de Velázquez et du Greco. Il se caractérise par le caractère décoratif, l'opposition du réel et de l'idéal, du drôle et du sublime, un certain caprice, l'irréalité, l'imagination, etc. Cela s'exprime le plus dans les œuvres d'El Greco. Velazquez est devenu célèbre en tant que maître du portrait de personnages. En général, le baroque en Espagne représente l'épanouissement de la peinture dans ce pays.

D’une certaine manière, le baroque a également influencé la peinture flamande. Ce style s'épanouit dans la première moitié du XVIIe siècle et est représenté par les œuvres de Rubens et Van Dyck. Le baroque ici n'était pas guidé par les sentiments du spectateur, mais par son attitude rationnelle et son attitude calme envers la vie.

En général, les artistes baroques ont découvert des techniques d'interprétation spatiale de la forme dans l'art et ont intensifié leur position de vie. L’unité de la vie dans la joie et la tragédie constitue la base de la beauté dans la peinture baroque.

Baroque - dans la peinture, c'est la pompe, le caractère décoratif, la grandeur, la complexité, la fluidité, l'impulsion, la passion, l'extase, le talent artistique, la personnalité. Il s'agissait de glorifier l'Église catholique et le roi. Tout dans l'art affirmait l'homme comme une particule du cosmos. L'un de ses thèmes constants est le thème du souverain divin.

Ainsi, nous exprimerons un certain nombre de conclusions intermédiaires concernant l'essence et les principes du baroque :

Les caractéristiques baroques décrites ci-dessus ont été utilisées dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art dans divers pays européens aux XVIIe et XVIIIe siècles, et le baroque dans différents pays européens impliquait parfois des tendances culturelles différentes.

Le baroque en tant que style architectural a commencé au XVIe siècle (où il est associé au nom de Michel-Ange) et s'est terminé à la fin du XVIIIe siècle. Ce style s'est répandu en Italie, en France, en Allemagne, en Flandre, en Espagne et en Russie. La caractéristique principale est l’étendue spatiale, l’unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes ;

La musique baroque s'est développée en Italie, en Allemagne, en Espagne, au Portugal, en France et en Autriche et constitue une sorte de modèle de transition de la musique de la Renaissance à la musique classique. Les principaux événements de cette période sont la création d'un opéra, d'un oratorio, d'une cantate, d'une suite de sonates ;

Un trait caractéristique de la littérature baroque est une combinaison de réalité et d'allégorie ; les métaphores, les oxymores et les antithèses sont largement utilisées. La littérature baroque est marquée par le symbolisme, l'attention portée au thème de la fragilité, de l'impermanence, de la nuit et du sommeil. Les principaux genres sont le sonnet, le roman satirique, la pastorale, les concetti, etc. ;

Le style baroque en peinture se caractérise par le dynamisme des compositions, l'aristocratie et les sujets inhabituels. Les caractéristiques les plus reconnaissables sont la floraison et le dynamisme. La peinture baroque s'est développée principalement en Italie, en Espagne, en Flandre et en France.

Ainsi, nous avons examiné l'essence et les principes fondamentaux du baroque dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art dans différents pays européens et sommes arrivés à la conclusion générale que le baroque dans différents pays européens impliquait parfois des tendances culturelles différentes.

CONCLUSION

Maintenant, conformément aux buts et objectifs fixés, nous exprimerons plusieurs conclusions fondamentales pour ce travail.

Conformément aux objectifs, nous avons dans un premier temps identifié les conditions préalables au développement du baroque. Les principales conclusions ici sont les suivantes :

Chronologiquement, le baroque apparaît au XVIIe siècle, en Italie, sur fond de crise des idées de la Renaissance. Durant cette période, l’Italie elle-même perdit son importance économique et politique et devint une semi-colonie désunie, tout en restant le centre culturel de l’Europe. Peu à peu, pour ces raisons socio-économiques, un nouveau style a commencé à émerger, dont la première tâche était de créer l'illusion de richesse et de pouvoir, la montée de l'Église catholique et de la noblesse italienne, qui n'avaient que des leviers culturels.

En même temps, il n’est pas correct de considérer l’ère baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque représente une phase indépendante dans le développement de l'art et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie. Par ailleurs, le baroque, bien qu’apparu en Italie, s’est très vite répandu dans toute l’Europe. Sur cette base, on peut affirmer que le baroque reflétait l'humeur de l'ensemble de la société européenne, était en demande et ne pouvait donc pas se développer sans conditions préalables, et ces conditions préalables étaient largement différentes selon les pays européens.

La base idéologique de la propagation du baroque en Europe était l'affaiblissement général de la culture spirituelle, la scission de l'Église - conséquence du déclin de son autorité et la lutte entre des enseignements reflétant les intérêts des différentes classes. Dans le même temps, le rôle des institutions étatiques se renforce et la lutte entre les principes laïques et religieux s’intensifie. Les sciences naturelles – optique, physique, thermodynamique et géographie – se développent rapidement. Cela signifie que les conditions préalables apparaissent pour le leitmotiv principal du baroque - le rejet de l'âme, de l'anthropocentrisme et de la Renaissance dans son ensemble, en faveur des Lumières et de la raison.

Arrêtons-nous sur l'histoire du terme « baroque ».

Le terme baroque apparaît un peu plus tard que le mouvement artistique lui-même. L'étymologie de ce mot vient très probablement de l'argot, qui désignait d'abord une perle de forme irrégulière, et fut ensuite utilisé comme synonyme de tout ce qui est grossier et faux. Cette histoire de l'origine du terme indique qu'au début, ce terme signifiait une caractéristique négative de l'ère culturelle et historique elle-même dans son ensemble, était souvent utilisé en ridicule et évaluait généralement l'époque entière du point de vue d'une personne de le 18ème siècle. Ce n'est que bien plus tard, au XIXe siècle, que le baroque commence à être considéré, avec la Renaissance, comme l'expression de deux principes alternés, dont aucun ne peut prétendre à la priorité.

Actuellement, le terme « baroque » fait référence à un certain nombre de styles artistiques historiques et régionaux de l'art européen des XVIIe et XVIIIe siècles, aux dernières étapes critiques du développement d'autres styles, à la tendance à une attitude agitée et romantique, à une pensée en formes expressives et déséquilibrées. Le concept de « baroque » est actuellement répandu dans le domaine de la critique artistique et littéraire dans de nombreux pays, et il est reconnu comme ayant un certain statut culturel et historique.

Passons à l'essence des principes et fondements de l'esthétique baroque.

L'essence de l'esthétique baroque réside dans le fait qu'à cette époque, l'idée du monde, établie dans l'Antiquité, comme une unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance selon laquelle l'homme est l'être le plus intelligent, ont changé. L’homme ne se sent plus « l’être le plus intelligent » ; au contraire, il doute de sa propre rationalité. Ainsi, dans l’esthétique baroque, ce qui était parfois considéré comme beau était ce qui était laid, par exemple à la Renaissance. En même temps, si nous regardons plus largement, nous verrons que le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance dépassée. Pour le baroque, ce qui importe avant tout n'est pas le rejet mécanique de tout ce qui est associé à l'Antiquité et à la Renaissance, mais de nouvelles formes de compréhension du beau monde qui nous entoure et de l'esprit. À la Renaissance, l’homme était au premier plan. Les figures baroques estimaient qu'elle avait été suffisamment étudiée et préféraient parler de raison, rejetant la composante spirituelle. Ces tendances constituent l’essence, la base de la compréhension de l’esthétique baroque.

Ainsi, nous mettons en valeur l’essence du baroque en tant que mouvement artistique. Tout d'abord, cela reflète le concept de crise du monde et de la personnalité. Le concept artistique du baroque est orienté humaniste, mais socialement pessimiste : il contient des doutes sur les capacités humaines, un sentiment de futilité de l'existence et la condamnation du bien à être vaincu dans la lutte contre le mal ;

Les principes de base, les caractéristiques, les spécificités du baroque, par rapport aux autres cultures, sont : une émotivité accrue ; un dynamisme évident ; émotivité, contraste des images ; une grande importance est accordée aux effets et éléments irrationnels. Ces caractéristiques se sont manifestées le plus clairement dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art de divers pays européens.

Le baroque, en tant que style architectural, a commencé au XVIe siècle (où il est associé au nom de Michel-Ange) et s'est terminé à la fin du XVIIIe siècle. Ce style s'est répandu en Italie, en France, en Allemagne, en Flandre, en Espagne et en Russie. La caractéristique principale est l’étendue spatiale, l’unité et la fluidité de formes complexes, généralement curvilignes ;

La musique baroque s'est développée en Italie, en Allemagne, en Espagne, au Portugal, en France et en Autriche et constitue une sorte de modèle de transition de la musique de la Renaissance à la musique classique. Les principaux événements de cette période sont la création d'un opéra, d'un oratorio, d'une cantate, d'une suite de sonates ;

Un trait caractéristique de la littérature baroque est une combinaison de réalité et d'allégorie ; les métaphores, les oxymores et les antithèses sont largement utilisées. La littérature baroque est marquée par le symbolisme, l'attention portée au thème de la fragilité, de l'impermanence, de la nuit et du sommeil. Les principaux genres sont le sonnet, le roman satirique, la pastorale, les concetti, etc. ;

Le style baroque en peinture se caractérise par le dynamisme des compositions, l'aristocratie et les sujets inhabituels. Les caractéristiques les plus reconnaissables sont la floraison et le dynamisme. La peinture baroque s'est développée principalement en Italie, en Espagne, en Flandre et en France.

Ainsi, nous avons examiné l'histoire de son origine, l'histoire du terme, l'esthétique, l'essence et les principes fondamentaux du baroque dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art dans différents pays européens des XVIIe et XVIIIe siècles.

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7. Histoire mondiale de l'architecture // Rep. éd. A.P. Chubova – M. : 1978. – 680 p.

8. Histoire du monde en 24 volumes. Tome 9. Le début du renouveau - Minsk : Littérature, 1997. - 592 p.

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22. ru.wicipedia.org. - les matériaux du chantier.

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2.1 Essence, principes et esthétique du baroque

Maintenant, après avoir étudié les conditions préalables à l'apparition et à l'histoire du terme « baroque » lui-même, nous étudierons l'essence, les principes et les fondements de l'esthétique de ce style.

Étudions les caractéristiques de l'esthétique baroque. L'esthétique en général fait référence à l'essence et aux formes de la beauté dans la créativité artistique, l'art et la vie.

Parlons de ce qui était considéré comme beau dans l'art baroque. Pour ce faire, nous devons nous souvenir de l’histoire de ce style artistique. Comme on s'en souvient, le baroque est apparu dans le contexte d'une crise des idées de la Renaissance, et est apparu là même où la Renaissance a atteint son plus grand épanouissement - en Italie. Partant de là, ce qui était parfois considéré comme beau dans le baroque était ce qui était laid dans l’art de la Renaissance. Le baroque se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, un désir de grandeur et de splendeur, de combiner réalité et illusion, de fusion et en même temps une tendance à l'autonomie des genres individuels. L'idée du monde, établie dans l'Antiquité, comme unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance selon laquelle l'homme est l'être le plus intelligent, ont changé. L’homme ne se sent plus « l’être le plus intelligent » ; au contraire, il doute de sa propre rationalité. Une sorte de période baroque (une période d’effondrement, de déclin) peut être trouvée à n’importe quelle époque.

Ce sont ces faits qui sont particulièrement importants lorsqu’on parle d’esthétique baroque. Ce n’est pas un hasard si le baroque a longtemps été considéré comme quelque chose de négatif et de dégénéré. En effet, un tel sentiment peut surgir si l’on compare exclusivement le baroque à la Renaissance.

En même temps, si nous regardons plus largement, nous verrons que le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance dépassée. Pour le baroque, ce qui importe avant tout, ce n’est pas le rejet mécanique de tout ce qui touche à l’Antiquité et à la Renaissance, non. Le baroque recherche plutôt de nouvelles formes pour comprendre le beau monde qui nous entoure et l'esprit. À la Renaissance, l’homme était au premier plan. Les figures baroques estimaient qu'elle avait été suffisamment étudiée et préféraient parler de raison, rejetant la composante spirituelle. Ces tendances sont l’essence, la base pour comprendre l’esthétique du baroque, son éternelle antithèse.

Le baroque était un développement des principes posés à la Renaissance, cependant, en raison d'un changement radical dans l'orientation esthétique principale (ne plus suivre la nature créée, mais l'améliorer dans l'esprit des normes idéales de beauté), il donne à ces principes une nouvelle portée, dynamique et caractère décoratif. L'amour de la métaphore, de l'allégorie et de l'emblème atteint désormais son apogée ; cependant, à travers les formes et les significations bizarres, parfois semi-fantastiques, à travers toutes les métamorphoses du baroque, un principe naturel fort émerge.

Différents types d'art interagissent plus activement au baroque (par rapport à la Renaissance), créant un « théâtre de la vie » multiforme mais unifié qui accompagne la vie réelle sous la forme de son jumeau festif. C'est pourquoi le baroque se répand si activement dans toute l'Europe, exprimé dans différents éléments - architecture, sculpture, peinture, littérature, musique. De plus, avec un certain degré de probabilité, on peut affirmer que le baroque, par exemple en Italie, et le baroque en Espagne sont des traditions et des styles artistiques différents. Cela est dû au fait que le baroque représente plus une idée générale que des lignes directrices claires pour l'action, d'où les raisons d'un baroque si différent et si identique, un style qui s'est répandu de l'Amérique latine à la Russie et a laissé partout des modèles de son développement.

Le concept artistique du baroque considère l'esprit comme la principale force créatrice ; la base de cet esprit est la capacité de rassembler des choses différentes. De cet esprit naît une attitude particulière envers la métaphore, l'emblème, qui représente esthétiquement une manière plus élégante d'exprimer le sens artistique que la symbolisation adoptée comme base à la Renaissance.

Le baroque met au premier plan la capacité de surprendre et d’étonner par la nouveauté. C’est pour cela que le baroque autorise des éléments grotesques et laids dans ses œuvres, c’est pourquoi il est si fantastique. La pensée théorique du baroque s'écarte de la pensée de la Renaissance selon laquelle l'art (en particulier les beaux-arts) est une science, qu'il repose sur les lois de la pensée logique, que l'art est provoqué par des tâches de cognition. Au contraire, le baroque souligne le fait que l’art est profondément différent de la logique de la science. L'esprit, dans le baroque, est un signe de génie. Le don artistique est donné par Dieu et aucune théorie ne peut aider à l’acquérir.

À l’époque baroque, la vision du monde de l’homme était non seulement divisée, mais elle a finalement perdu son intégrité et son harmonie. La vision du monde et la perception du monde d’une personne ont compris la profondeur et la contradiction interne de l’existence, de la vie humaine et de l’univers. C’est le vrai sens de l’esthétique baroque.

Ainsi, en général, le baroque est un mouvement artistique qui reflète la conception en crise du monde et de la personnalité. Les héros baroques sont soit des martyrs exaltés qui ont perdu confiance dans le sens et la valeur de la vie, soit des connaisseurs raffinés de ses charmes et pleins de scepticisme. Le concept artistique du baroque est d'orientation humaniste, mais il est socialement pessimiste ; il contient des doutes sur les capacités humaines, un sentiment de futilité de l'existence et la condamnation du bien à vaincre dans la lutte contre le mal.

En général, le baroque, comme d'autres styles culturels et historiques, se caractérise par une certaine vision du monde et une certaine philosophie, ainsi que par d'autres caractéristiques spécifiques.

Regardons-les de plus près. Il est caractéristique de la vision du monde d'un homme de l'époque baroque qu'il voyait l'ordre principal de la vie dans ses contradictions et croyait qu'il n'y avait rien qui n'ait son antipode.

Les historiens de la culture identifient comme une catégorie particulière dans l'étude du baroque ce qu'on appelle l'antinomie - des opposés incompatibles les uns avec les autres, qui présentent ensemble une certaine harmonie et esthétique. Cette antinomie est extrêmement importante pour comprendre l’essence du baroque. Les chercheurs notent que cette « consonance du dissonant » se manifeste dans pratiquement tous les traits du baroque. Les antinomies les plus caractéristiques du baroque sont considérées :

Relation entre chaos et ordre ;

L'homme est à la fois tout et rien ;

Contraste entre la vie et la mort.

De plus, il existe certaines oppositions à des niveaux de connaissance de l'existence tels que le temps, l'espace et la pensée.

Il est typique de la philosophie de l'époque baroque de voir la fragmentation et la contradiction dans le fondement même des choses (cela est particulièrement visible si on le compare aux tendances à l'harmonie et à l'unité caractéristiques de la Renaissance).

Les particularités, spécificités du baroque, par rapport aux autres cultures, sont :

Émotivité accrue ;

Un dynamisme évident ;

Émotivité, contraste des images ;

Une grande importance est accordée aux effets et éléments irrationnels.

Résumons les principaux résultats de l'étude de cette question :

L'essence de l'esthétique baroque réside dans le fait qu'à l'époque baroque, l'idée du monde, établie dans l'Antiquité, en tant qu'unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance de l'homme en tant qu'être le plus intelligent, ont changé . L’homme ne se sent plus « l’être le plus intelligent » ; au contraire, il doute de sa propre rationalité. Ainsi, dans l’esthétique baroque, ce qui était parfois considéré comme beau était ce qui était laid, par exemple à la Renaissance. En même temps, si nous regardons plus largement, nous verrons que le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance dépassée. Pour le baroque, ce qui importe avant tout n'est pas le rejet mécanique de tout ce qui est associé à l'Antiquité et à la Renaissance, mais de nouvelles formes de compréhension du beau monde qui nous entoure et de l'esprit. À la Renaissance, l’homme était au premier plan. Les figures baroques estimaient qu'elle avait été suffisamment étudiée et préféraient parler de raison, rejetant la composante spirituelle. Ces tendances constituent l’essence, la base de la compréhension de l’esthétique baroque.

Le baroque en tant que mouvement artistique reflète une conception en crise du monde et de la personnalité. Le concept artistique du baroque est orienté humaniste, mais socialement pessimiste : il contient des doutes sur les capacités humaines, un sentiment de futilité de l'existence et la condamnation du bien à être vaincu dans la lutte contre le mal ;

La particularité, les spécificités du baroque, par rapport aux autres cultures, sont : une émotivité accrue ; un dynamisme évident ; émotivité, contraste des images ; une grande importance est accordée aux effets et éléments irrationnels. Ces caractéristiques se manifestent le plus clairement dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art de divers pays européens ;

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