Hamlet - personnage tragédie du même nom Un classique britannique. Aujourd'hui, le héros de la pièce est considéré comme l'un des personnages les plus populaires et les plus mystérieux de la littérature mondiale. Les spécialistes de la littérature moderne se demandent si le prince danois se cachait derrière la folie ou s'il était en fait sujet à des visions folles ; ils s'intéressent à sa biographie et à la description de son apparence. Le héros de Shakespeare soulève des questions éternelles dans des dialogues et des monologues, réfléchit à son destin et fait preuve d'un amour filial.

Histoire de la création de personnages

À l'époque de William Shakespeare, des œuvres destinées aux productions théâtrales étaient créées sur la base de pièces existantes. "Hamlet" ne fait pas exception - au VIIIe siècle, le chroniqueur danois Saxo Grammaticus a écrit la légende du prince Hamlet (le nom original sonne comme Amled), qui fait partie de la collection de sagas scandinaves.

Sur la base de ses motivations, un contemporain et compatriote du dramaturge anglais (on suppose qu'il s'agissait de Thomas Kyd) a composé une pièce qui a été mise en scène dans les théâtres, mais qui n'a pas survécu à ce jour. À cette époque, on plaisantait sur « une bande d’Hamlets éparpillant des poignées de monologues tragiques ».

Au cours de la période 1600-1601, Shakespeare a simplement refait l’œuvre littéraire. L'œuvre du grand poète différait de la source scandinave par la sophistication de ses contours artistiques et de sa signification : l'auteur a déplacé l'accent de la lutte extérieure vers la souffrance spirituelle du personnage principal.

• Le rôle de Hamlet est le plus long des pièces de Shakespeare. Le volume de texte sortant de ses lèvres est de 1506 lignes. Et en général, la tragédie est plus grande que les autres œuvres de l’auteur - elle s’étend sur 4 000 lignes.
• Pour les contemporains de l’auteur, la tragédie était une histoire de vendetta. Et seulement dans fin XVIII siècle, Johann Goethe a changé la perception de l'œuvre - il a vu dans le personnage principal non pas un vengeur, mais un représentant pensant de la Renaissance.
• En 2012, le personnage a pris la deuxième place dans le Livre Guinness des Records pour la fréquence d'apparition. héros du livre parmi les gens du cinéma et de la télévision (le leader était).

Citations

Il y a dans la nature beaucoup de choses, ami Horatio, dont nos sages n'ont jamais rêvé.

Oh, les femmes, votre nom est trahison !

Ne bois pas de vin, Gertrude !

Bibliographie

• 1600-1601 - "Hameau"

Filmographie

• 1964 - « Hamlet » (URSS)
• 1990 - « Hamlet » (Grande-Bretagne, France)
• 1996 - « Hamlet » (Royaume-Uni, États-Unis)
• 2009 - « Hamlet » (Royaume-Uni)

Analyse de la tragédie « Hamlet, prince du Danemark »

Sujets

Thème de la trahison

Le thème de la trahison dans la tragédie «Hamlet» de William Shakespeare est l'un des sujets les plus importants et les plus intéressants, car il permet non seulement d'aborder plus en détail la divulgation de l'idée artistique de la tragédie, mais aussi de pénétrer dans le mystère. des personnages et des destins humains.

Parlant de trahison, Shakespeare tente de montrer l'essence de ce phénomène. Le roi Claude du Danemark tue son frère, trahissant ainsi un être cher, son pays et son propre honneur. Ses trahisons sont fondamentalement viles et criminelles. Portant la marque de Caïn dans son image artistique, le roi danois la multiplie en commettant l'adultère avec l'épouse du défunt. En prenant l'exemple du piège mortel tendu par le roi danois à Hamlet, nous voyons que les actions du premier sont strictement réfléchies et terribles dans leurs précautions criminelles.

Il est assez difficile de discuter des raisons qui ont conduit à la trahison de la mère d'Hamlet, la reine Gertrude, à la mémoire de son mari ; on ne peut que souligner que Gertrude l'a commis consciemment. Hamlet est profondément déçu par sa mère, qui était autrefois sa femme idéale. Le prince ne comprend pas comment elle, qui semblait tant aimer son père, a pu commettre une telle hâte - « se jeter ainsi sur le lit de l'inceste » :

« Deux mois depuis sa mort ! Moins même.

Un si digne roi ! Comparez-les

Phébus et le satyre. Il aimait tellement ma mère,

Que je ne laisserais pas les vents toucher le ciel

Ses visages. Ô ciel et terre !

Dois-je m'en souvenir ? Elle était attirée par lui

Comme si la faim ne faisait qu'augmenter

De la saturation. Et un mois plus tard -

N'y pense pas ! Mortalité, toi

On vous appelle : femme ! - Et des chaussures

Sans user ce qu'elle portait après le cercueil,

Comme Niobé, toute en larmes, elle -

Oh mon Dieu, une bête sans raison,

Tu m'aurais manqué plus longtemps ! (5, p.8)

Selon Hamlet, Gertrude a fait :

"..c'est ca le truc,

Qui tache le visage de honte,

Traite l'innocence de menteuse, sur le front

Le saint amour remplace la rose par la peste ;

Transforme les vœux de mariage

Dans les promesses du joueur ; une telle chose.

Qui est fait de contrats de chair

Enlève l'âme, transforme la foi

Dans une confusion de mots ; la face du ciel brûle ;

Et cette forteresse et cette masse dense

D'un air triste, comme devant un tribunal,

Il est triste pour lui »(5, p.64)

En omettant les trahisons mineures des serviteurs du trône danois, dictées par un désir banal de s'attirer les faveurs, nous nous attarderons plus en détail sur la trahison de Laertes. C'est chez ce héros, à notre avis, que s'est manifestée cette trahison très involontaire, due à un concours de circonstances défavorable pour lui. Déprimé par la mort de son père et indigné par l'enterrement manifestement non chrétien de ce dernier, Laërtes tombe facilement dans les réseaux de tromperie savamment mis en place par Claude, puis, bouleversé par la mort de sa sœur, n'a pas la force d'écouter. son ancien ami et découvrez la vérité.

Pour résumer tout ce qui précède, nous pouvons dire que le thème de la trahison dans la tragédie de Shakespeare est multiforme et multiforme. L'auteur révèle non seulement au lecteur l'essence de ce phénomène, mais tente également de comprendre à la fois ses véritables causes et ses origines philosophiques. La trahison chez Shakespeare n'a pas de structure homogène : une personne peut en être consciente et commettre une trahison sans le savoir ; la trahison n'est constante que dans un domaine : dans la tragédie qu'elle entraîne dans la vie d'une personne.

Thème de la vengeance

Le thème de la vengeance dans la tragédie Hamlet de Shakespeare est incarné dans les personnages de Hamlet, Laertes et Fortinbras. Du point de vue de la composition, Hamlet occupe une place centrale, et pas seulement en raison de sa signification personnelle. Le père de Hamlet a été tué, mais le père de Hamlet a tué le père de Fortinbras, et Hamlet lui-même tue le père de Laertes.

La solution du problème de la vengeance par les personnages de la tragédie brise l'approche humaniste de Shakespeare de ce problème moral. Laertes résout le problème très simplement. Ayant appris que son père a été tué, il ne s'intéresse pas aux circonstances de la mort de Polonius, retourne précipitamment au Danemark, déclenche une émeute, s'introduit par effraction dans le palais et se précipite sur le roi, qu'il considère comme le coupable de la mort. du vieux courtisan. Il rejette tous les autres devoirs moraux. Il ne se soucie pas que Polonius se soit exposé au coup du prince. En apprenant la mort de sa sœur, il devient encore plus déterminé dans ses intentions de se venger d'Hamlet et entre dans une ignoble conspiration avec le roi pour tuer Hamlet.

« Ainsi, mon noble père est mort ;

Ma sœur est jetée dans des ténèbres désespérées,

Dont la perfection - si elle peut être inversée

Allez louer - j'ai défié l'âge

De leurs hauteurs. Mais ma vengeance viendra" (5, p.81)

Si Laertes atteint l'extrême limite de la méchanceté dans son désir de vengeance, alors Fortinbras fait preuve d'un mépris total pour la tâche de vengeance. Nous n’en connaissons pas les raisons, mais les circonstances décrites dans l’intrigue suggèrent que Fortinbras n’a aucune véritable raison de se venger. Son père lui-même a défié le père d'Hamlet en duel et a été vaincu au combat loyal.

Apprendre du fantôme de son père la vraie raison sa mort, Hamlet jure de venger sa mort, à partir de ce moment la soif de vengeance prend la première place dans sa vie, mais pour cela lui, adepte des vues humaines, doit commettre lui-même le mal. Hamlet accepte la tâche de se venger. Il est poussé à cela par son amour pour son père et également par sa haine envers Claude, qui était non seulement un meurtrier, mais aussi un séducteur de la mère d’Hamlet.

« Moi, dont le père est tué, dont la mère est en disgrâce,

Dont l'esprit et le sang sont indignés...

Oh ma pensée, à partir de maintenant tu dois

Soyez sanglant, ou la poussière est votre prix ! (5, p. 72)

Quand Hamlet eut l'occasion de venger la mort de son père, Claudius était en prière, et une telle mort, selon Hamlet, serait une récompense pour le meurtrier. Hamlet décide d'attendre, mais, reportant sa vengeance, le prince se gronde pour son inaction et sa léthargie.

Ayant rempli le serment prêté au fantôme de son père, Hamlet se trahit, trahit ses principes et ses croyances. Seul Dieu est capable de donner et de retirer la vie à une personne. Hamlet a agi comme un vengeur pour ce qu'il avait lui-même fait aux autres. Il rend le mal pour le mal.

Ainsi, le thème de la vengeance est présent tout au long de l'œuvre, sert de motif à des actes ignobles et à des trahisons et donne lui-même naissance au mal, ce qui représente un grand problème moral.

Thème de la morale

Dans la tragédie de Shakespeare, deux principes, deux systèmes de moralité publique s'affrontent : l'humanisme, qui affirme le droit de chacun à sa part des biens terrestres, et l'individualisme prédateur, qui permet de piétiner les autres et même tout le monde. L'idéal humaniste répondait aux intérêts du peuple et de toute l'humanité. L'égoïsme prédateur des Claudii correspondait les pires côtés pratique de vie de l'ancienne classe dirigeante des seigneurs féodaux et de la bourgeoisie montante.

Hamlet parle de la corruption des mœurs :

"Festivals stupides à l'ouest et à l'est

Cela nous déshonore parmi les autres nations… » (5, p.16)

Il remarque le manque de sincérité, la flatterie et la flagornerie des gens, qui dégradent la dignité humaine. L'idée que le mal a pénétré dans tous les pores de la société ne quitte pas Hamlet même lorsqu'il parle avec sa mère de sa culpabilité devant la mémoire du défunt roi. Il dit:

"Après tout, la vertu en ce gros âge

Je dois demander pardon au vice,

Penché pour prier pour l’aider » (5, p. 54)

Tous ces discours élargissent la portée de la tragédie, lui donnant une grande signification sociale. Le malheur et le mal qui ont frappé la famille d'Hamlet ne sont qu'un incident isolé, typique de la société dans son ensemble.

Pour le prince Hamlet, la base de l'ordre et de la justice est moralité. Il abandonne la vengeance comme forme de punition dépassée. Il rêve de justice et tente de l'affirmer par ses actions. Cependant, le prince, comme ses ancêtres, usurpe le droit de décider du sort d'une personne. Le but de sa vie devient l’établissement de lois morales dans le pays de son père en déshonorant ou en détruisant les responsables, selon lui, du fait que « quelque chose a pourri dans notre État danois ».

Shakespeare montre que non seulement la réalité est tragique, dans laquelle le mal est si puissant, mais qu'il est également tragique que cette réalité puisse conduire une belle personne comme Hamlet à un état presque désespéré.

Thème de la vie et de la mort

La solution que recherche le héros n’est pas celle qui est meilleure, plus pratique ou plus efficace, mais celle qu’il faut agir conformément au concept le plus élevé de l’humanité. Le choix auquel Hamlet est confronté est le suivant :

"..soumettre

Aux frondes et aux flèches du destin furieux

Ou, en prenant les armes dans la mer de troubles, battez-les

Affrontement? (5, p. 43)

Souffrir silencieusement du mal ou lutter contre lui n’est qu’un aspect du problème. La soumission au destin peut se manifester par la décision de mourir volontairement. En même temps, une lutte active peut détruire une personne. La question « être ou ne pas être ? » se termine par un autre - vivre ou ne pas vivre ?

Le thème de la mort revient constamment dans le raisonnement d'Hamlet : il est en lien direct avec la conscience de la fragilité de l'existence.

La vie est si dure que pour se débarrasser de ses horreurs, il n’est pas difficile de se suicider. La mort est comme un rêve. Mais Hamlet n’est pas sûr que le tourment mental d’une personne se termine par la mort. La chair morte ne peut pas souffrir. Mais l'âme est immortelle. Quel genre d’avenir lui est préparé « dans le sommeil de la mort » ? Personne ne peut le savoir, car de l’autre côté de la vie se trouve « une terre inconnue d’où il n’y a pas de retour pour les vagabonds terrestres ».

Le raisonnement de Hamlet n’est en aucun cas abstrait. Devant lui, homme d'une imagination débordante et d'une sensibilité subtile, la mort apparaît dans toute sa douloureuse matérialité. La peur de la mort dont il parle surgit en lui-même. Hamlet est obligé d'admettre que les pensées et les prémonitions de mort privent une personne de détermination. La peur vous pousse parfois à abandonner l’action et à vous battre. Ce célèbre monologue nous révèle qu'Hamlet a atteint la limite la plus élevée de ses doutes. Il est juste que les paroles magnifiques dans lesquelles Shakespeare a formulé les pensées de son héros soient restées dans les mémoires de tous comme la plus haute expression de doute et d'indécision.

À l’ère des jeux et des films en ligne, peu de gens lisent des livres. Mais les images vives disparaîtront de la mémoire en quelques minutes, mais la littérature classique, lue depuis des siècles, restera dans les mémoires pour toujours. Il est irrationnel de se priver de la possibilité de profiter des créations immortelles de génies, car elles apportent non seulement des réponses à de nombreuses questions qui n'ont pas perdu de leur urgence après des centaines d'années. Parmi ces diamants de la littérature mondiale, citons « Hamlet », dont un bref récit vous attend ci-dessous.

À propos de Shakespeare. "Hamlet" : histoire de la création

Le génie de la littérature et du théâtre est né en 1564, baptisé le 26 avril. Mais la date exacte de naissance n’est pas connue. La biographie de cet écrivain étonnant est envahie par de nombreux mythes et suppositions. Cela est peut-être dû au manque de connaissances précises et à leur remplacement par la spéculation.

On sait que le petit William a grandi dans une famille aisée. Dès son plus jeune âge, il a fréquenté l'école, mais n'a pas pu obtenir son diplôme en raison de problèmes. difficultés financières. Bientôt, il déménagera à Londres, où Shakespeare créera Hamlet. Le récit de la tragédie vise à inciter les écoliers, les étudiants et les amateurs de littérature à la lire dans son intégralité ou à aller voir la pièce du même nom.

La tragédie est basée sur un complot « vagabond » concernant le prince danois Amleth, dont l'oncle a tué son père pour s'emparer de l'État. Les critiques ont trouvé les origines de l'intrigue dans les chroniques danoises de Saxo Grammar, remontant approximativement au XIIe siècle. Au cours du développement de l'art théâtral, un auteur inconnu crée un drame basé sur cette intrigue, l'empruntant à l'écrivain français François de Bolfort. Très probablement, c'est au théâtre que Shakespeare a appris cette intrigue et a créé la tragédie "Hamlet" (voir un bref récit ci-dessous).

Le premier acte

Un bref récit d'Hamlet par acte donnera une idée de l'intrigue de la tragédie.

L'acte commence par une conversation entre deux officiers, Bernardo et Marcellus, sur ce qu'ils ont vu la nuit, un fantôme qui ressemble beaucoup au défunt roi. Après la conversation, ils voient un fantôme. Les soldats tentent de lui parler, mais l'esprit ne leur répond pas.

Ensuite, le lecteur voit le roi actuel, Claude, et Hamlet, le fils du roi décédé. Claudius dit qu'il a pris Gertrude, la mère de Hamlet, pour épouse. En apprenant cela, Hamlet est très bouleversé. Il se souvient à quel point son père était un digne propriétaire du trône royal et à quel point ses parents s'aimaient. Un mois seulement s'est écoulé depuis sa mort et sa mère s'est mariée. L'ami du prince, Horatio, lui raconte qu'il a vu un fantôme qui ressemblait beaucoup à son père. Hamlet décide de partir avec un ami en service de nuit pour tout voir de ses propres yeux.

Le frère de l'épouse d'Hamlet, Ophélie, Laertes, part et dit au revoir à sa sœur.

Hamlet voit un fantôme sur le lieu d'affectation. C'est l'esprit de son père décédé. Il dit à son fils qu'il est mort non pas d'une morsure de serpent, mais de la trahison de son frère, qui a pris son trône. Claudius a versé du jus de jusquiame dans les oreilles de son frère, ce qui l'a empoisonné et l'a tué sur le coup. Le père demande vengeance pour son meurtre. Plus tard, Hamlet raconte brièvement ce qu'il a entendu à son ami Horatio.

Deuxième acte

Polonius parle à sa fille Ophélie. Elle a peur parce qu'elle a vu Hamlet. Il avait un très aspect étrange, et son comportement témoignait d'une grande confusion d'esprit. La nouvelle de la folie d'Hamlet se répand dans tout le royaume. Polonius parle à Hamlet et remarque que, malgré l'apparente folie, les conversations du prince sont très logiques et cohérentes.

Ses amis Rosencrantz et Guildenstern viennent voir Hamlet. Ils informent le prince qu'une compagnie d'acteurs très talentueuse est arrivée dans la ville. Hamlet leur demande de dire à tout le monde qu'il a perdu la tête. Polonius les rejoint et rend également compte des acteurs.

Troisième acte

Claudius demande à Guildenstern s'il connaît la raison de la folie d'Hamlet.

Avec la reine et Polonius, ils décident d'organiser une rencontre entre Hamlet et Ophélie afin de comprendre s'il devient fou à cause de son amour pour elle.

Dans cet acte, Hamlet prononce son brillant monologue « Être ou ne pas être ». Un récit ne transmettra pas toute l'essence du monologue, nous vous recommandons de le lire vous-même.

Le prince négocie quelque chose avec les acteurs.

Le spectacle commence. Les acteurs incarnent le roi et la reine. Hamlet a demandé à jouer la pièce ; un très bref récit des événements récents aux acteurs leur a permis de montrer sur scène les circonstances de la mort fatale du père d'Hamlet. Le roi s'endort dans le jardin, est empoisonné et le criminel gagne la confiance de la reine. Claude ne supporte pas un tel spectacle et ordonne l'arrêt du spectacle. Ils partent avec la reine.

Guildenstern transmet à Hamlet la demande de sa mère de lui parler.

Claudius dit à Rosencrantz et Guildenstern qu'il veut envoyer le prince en Angleterre.

Polonius se cache derrière les rideaux de la chambre de Gertrude et attend Hamlet. Au cours de leur conversation, l'esprit de son père apparaît au prince et lui demande de ne pas horrifier sa mère par son comportement, mais de se concentrer sur la vengeance.

Hamlet frappe les lourds rideaux avec son épée et tue accidentellement Polonius. Il révèle à sa mère un terrible secret sur la mort de son père.

Acte quatre

Le quatrième acte de la tragédie est plein d'événements tragiques. De plus en plus, semble-t-il, à son entourage, le prince Hamlet (un bref récit de l'acte 4 donnera une explication plus précise de ses actions).

Rosencrantz et Guildenstern demandent à Hamlet où se trouve le corps de Polonius. Le prince ne le leur dit pas, accusant les courtisans de rechercher uniquement les privilèges et les faveurs du roi.

Ophélie est amenée chez la reine. La fille est devenue folle de cette expérience. Laërtes revint secrètement. Lui et un groupe de personnes qui le soutenaient ont vaincu les gardes et se sont précipités vers le château.

Horatio reçoit une lettre d'Hamlet, qui dit que le navire sur lequel il naviguait a été capturé par des pirates. Le prince est leur prisonnier.

Le roi le dit à Laertes, qui cherche à se venger du responsable de sa mort, en espérant que Laertes tuera Hamlet.

La reine apprend la mort d'Ophélie. Elle s'est noyée dans la rivière.

Cinquième acte

Une conversation entre deux fossoyeurs est décrite. Ils considèrent Ophélie comme un suicide et la condamnent.

Lors des funérailles d'Ophélie, Laërtes se jette dans une fosse. Hamlet y saute également, souffrant sincèrement de la mort de son ancien amant.

Ensuite, Laërtes et Hamlet se battent en duel. Ils se sont blessés. La Reine prend la coupe destinée à Hamlet de Claude et boit. La coupe est empoisonnée, Gertrude meurt. L'arme préparée par Claudius est également empoisonnée. Hamlet et Laërtes ressentent déjà les effets du poison. Hamlet tue Claude avec la même épée. Horatio atteint le verre empoisonné, mais Hamlet lui demande de s'arrêter pour que tous les secrets puissent être révélés et que son nom soit effacé. Fortinbras découvre la vérité et ordonne qu'Hamlet soit enterré avec les honneurs.

Pourquoi lire un résumé de l'histoire « Hamlet » ?

Cette question inquiète souvent les écoliers modernes. Commençons par poser une question. Ce n'est pas tout à fait correctement défini, puisque "Hamlet" n'est pas une histoire, son genre est la tragédie.

Son thème principal est le thème de la vengeance. Cela peut sembler hors de propos, mais son essence n’est que la pointe de l’iceberg. En fait, il existe de nombreux sous-thèmes entrelacés dans Hamlet : la loyauté, l’amour, l’amitié, l’honneur et le devoir. Il est difficile de trouver une personne qui reste indifférente après avoir lu la tragédie. Une autre raison de lire cette œuvre immortelle est le monologue d'Hamlet. « Être ou ne pas être » a été dit des milliers de fois, voici des questions et des réponses qui, après près de cinq siècles, n'ont pas perdu de leur caractère poignant. Malheureusement, un bref récit ne transmettra pas toute la coloration émotionnelle de l'œuvre. Shakespeare a créé Hamlet sur la base de légendes, mais sa tragédie a dépassé ses sources et est devenue un chef-d'œuvre mondial.

"Hamlet" de W. Shakespeare a longtemps été démantelé en aphorismes. Grâce à l'intrigue intense, aux conflits politiques et amoureux aigus, la tragédie est restée populaire pendant plusieurs siècles. Chaque génération y retrouve des problèmes inhérents à son époque. La composante philosophique de l'œuvre attire invariablement l'attention - des réflexions profondes sur la vie et la mort. Elle pousse chaque lecteur à ses propres conclusions. L'étude de la pièce de théâtre est également incluse dans le programme scolaire. Les élèves découvrent Hamlet en 8e année. L’analyser n’est pas toujours facile. Nous vous proposons de faciliter votre travail en lisant l'analyse de l'ouvrage.

Brève analyse

Année d'écriture - 1600-1601

Histoire de la création- Les chercheurs pensent que W. Shakespeare a emprunté l'intrigue d'Hamlet à une pièce de Thomas Kyd, qui n'a pas survécu à ce jour. Certains chercheurs suggèrent que la source était la légende d'un prince danois enregistrée par Saxo Grammaticus.

Sujet- sujet principal les œuvres sont un crime au nom du pouvoir. Dans son contexte, les thèmes de la trahison et de l'amour malheureux se développent.

Composition- La pièce est organisée de manière à révéler pleinement le sort du prince Hamlet. Il se compose de cinq actes, chacun représentant certaines composantes de l'intrigue. Cette composition vous permet de révéler systématiquement le sujet principal et de vous concentrer sur les questions les plus importantes.

Genre- Un pièce. La tragédie.

Direction-Baroque.

Histoire de la création

W. Shakespeare a créé l'œuvre analysée en 1600-1601. Il existe deux versions principales de l'histoire de la création d'Hamlet. Selon le premier, la source de l'intrigue était la pièce de Thomas Kyd, auteur de La Tragédie espagnole. Le travail des enfants n'a pas survécu jusqu'à ce jour.

De nombreux spécialistes de la littérature sont enclins à croire que l’intrigue de la tragédie de Shakespeare remonte à la légende du roi du Jutland, rapportée par le chroniqueur danois Saxo Grammaticus dans le livre « Les Actes des Danois ». Le personnage principal de cette légende est Amleth. Il a tué son père frère, envieux de la richesse. Après avoir commis le meurtre, il épousa la mère d'Amleth. Le prince apprit la cause de la mort de son père et décida de se venger de son oncle. Shakespeare a reproduit ces événements en détail, mais par rapport à la source originale, il a accordé plus d'attention à la psychologie des personnages.

La pièce de William Shakespeare a été jouée l'année où elle a été écrite au Globe Theatre.

Sujet

Dans Hamlet, son analyse devrait commencer par la caractérisation problème principal.

Les motifs de trahison, de crime et d’amour ont toujours été courants dans la littérature. W. Shakespeare savait comment remarquer les vibrations internes des gens et les transmettre de manière vivante à l'aide de mots, il ne pouvait donc pas rester à l'écart des problèmes énumérés. sujet principal Hamlet est un crime commis pour la richesse et le pouvoir.

Les principaux événements de l'œuvre se déroulent dans un château appartenant à la famille d'Hamlet. Au début de la pièce, le lecteur apprend qu'un fantôme erre dans le château. Hamlet décide de rencontrer le sombre invité. Il s'avère être le fantôme de son père. Le fantôme raconte à son fils qui l'a tué et demande à se venger. Hamlet pense qu'il est devenu fou. L'ami du prince, Horace, insiste sur le fait que ce qu'il a vu est vrai. Après beaucoup de réflexion et d’observation du nouveau dirigeant, devenu l’oncle de Hamlet, Claudius, qui a tué son frère, le jeune homme décide de se venger. Un projet mûrit petit à petit dans sa tête.

Le roi devine que son neveu connaît la cause de la mort de son père. Il envoie ses amis chez le prince pour tout savoir, mais Hamlet devine cette trahison. Le héros fait semblant d'être fou. La chose la plus brillante dans tous ces événements est l’amour d’Hamlet pour Ophélie, mais cela non plus n’est pas destiné à se réaliser.

Dès que l'occasion se présente, le prince, à l'aide des cadavres des acteurs, expose le tueur. La pièce « Le Meurtre de Gonzago » est jouée dans le palais, à laquelle Hamlet ajoute des lignes démontrant au roi que son crime a été résolu. Claudius tombe malade et quitte la salle. Hamlet veut parler à sa mère, mais tue accidentellement le proche noble du roi, Polonius.

Claudius veut exiler son neveu en Angleterre. Mais Hamlet le découvre, retourne au château par ruse et tue le roi. Après s'être vengé, Hamlet meurt empoisonné.

En observant les événements de la tragédie, il est facile de remarquer qu'elle présente un conflit interne et externe. Externe - la relation d'Hamlet avec les habitants de la cour de ses parents, interne - les expériences du prince, ses doutes.

Le travail se développe idée que chaque mensonge est révélé tôt ou tard. L’idée principale est que la vie humaine est trop courte, il ne sert donc à rien de perdre du temps à l’embrouiller avec des mensonges et des intrigues. C'est ce que la pièce enseigne au lecteur et au spectateur.

Composition

Les caractéristiques de la composition sont dictées par les lois de l'organisation dramatique. L'œuvre se compose de cinq actes. L'intrigue est révélée séquentiellement, elle peut être divisée en six parties : exposition - introduction aux personnages, intrigue - rencontre d'Hamlet avec le fantôme, développement des événements - le chemin du prince vers la vengeance, point culminant - observations du roi pendant la pièce, ils tentent d'exiler Hamlet en Angleterre, dénouement - héros de la mort.

Le déroulement de l'événement est interrompu par les réflexions philosophiques d'Hamlet sur le sens de la vie et de la mort.

Personnages principaux

Genre

Le genre de Hamlet est une pièce écrite comme une tragédie, car tous les événements sont centrés sur les questions du meurtre, de la mort et de la vengeance. La fin de l'œuvre est tragique. La mise en scène de la pièce "Hamlet" de Shakespeare est baroque, l'œuvre se caractérise donc par une abondance de comparaisons et de métaphores.

Essai de travail

Analyse des notes

Note moyenne: 4.6. Total des notes reçues : 482.

L'Enfer de Dante - analyse

(Pour plus de détails, voir l'article séparé de Dante « L'Enfer » - description)

« Je pense que pour ton propre bien tu devrais me suivre. Je vous montrerai le chemin et vous conduirai à travers les terres de l'éternité, où vous entendrez des cris de désespoir, verrez des ombres lugubres qui vivaient sur terre avant vous, appelant à la mort de l'âme après la mort du corps. Alors vous en verrez aussi d’autres se réjouir au milieu de la flamme purificatrice, parce qu’ils espèrent accéder à la demeure des bienheureux. Si vous souhaitez monter jusqu'à cette demeure, alors une âme plus digne que la mienne vous y conduira. Il restera avec toi quand je partirai. Par la volonté du souverain suprême, moi qui n'ai jamais connu ses lois, je n'ai pas été autorisé à montrer le chemin de sa ville. L'univers tout entier lui obéit, même son royaume est là. Là est sa ville choisie (sua citt ?), là se dresse son trône au-dessus des nuages. Oh, bienheureux sont ceux qu'il recherche !

Selon Virgile, Dante devra expérimenter dans « l'Enfer », non pas en paroles, mais en actes, toute la misère d'une personne qui s'est éloignée de Dieu, et voir toute la futilité de la grandeur et de l'ambition terrestres. Pour ce faire, le poète dépeint dans la « Divine Comédie » un royaume souterrain, où il relie tout ce qu'il connaît de la mythologie, de l'histoire et expérience personnelle sur la violation par une personne de la loi morale. Dante peuple ce royaume de gens qui n'ont jamais cherché à atteindre par le travail et la lutte une existence pure et spirituelle, et les divise en cercles, démontrant par leur distance relative les uns par rapport aux autres. divers diplômes péchés. Ces cercles de l’Enfer, comme il le dit lui-même dans le onzième chant, personnifient l’enseignement moral (l’éthique) d’Aristote sur la manière dont l’homme échappe à la loi divine.

Carte de l'Enfer (Cercles de l'Enfer - La mappa dell inferno). Illustration de Sandro Botticelli pour La Divine Comédie de Dante. années 1480

L'évasion de la loi divine, selon la Divine Comédie, commence par une sensualité sauvage et se termine par un mal délibéré, un crime contre Dieu, la patrie et les bienfaiteurs. Les degrés de péchés du même genre sont déterminés, selon Dante, par la distance entre des cercles concentriques et en même temps qui s'approfondissent constamment. Les différentes sortes de péchés sont tour à tour distinguées pour indiquer leur origine. Marais, cercueils, murs, portes, les horreurs de Méduse et des Furies séparent les philosophes curieux du royaume de Pluton du lieu d'exécution de ceux qui se livraient à la chair et sacrifiaient l'esprit à la sensualité (al talento). La vaste gorge le long de laquelle vole le monstre des enfers, l'hippogriffe, symbole du mensonge, sépare ceux qui ont délibérément abusé de leur raison de ceux qui ont péché par courage audacieux. Virgile et Dante sont amenés aux enfers par l'un des géants qui assiégèrent autrefois l'Olympe et combattirent avec les dieux.

Sandro Botticelli. Enfer. Illustration pour la "Divine Comédie" de Dante. années 1480

L'espace de l'enfer est en outre divisé par des rivières, représentant symboliquement tous les degrés de remords secrets qui déchirent l'âme au réveil de la conscience que le faux but de la vie a été choisi. Ceux qui, sans que ce soit de leur faute, n'ont jamais connu le but humain le plus élevé, sont séparés des vrais pécheurs par un fleuve que les anciens appelaient sans joie (Achéron). L’espace où sont emprisonnés ceux qui, s’appuyant sur leur propre raison, méprisaient l’enseignement moral, est entouré d’un fleuve de haine et d’horreur (Styx) ; les dieux eux-mêmes tremblent devant elle. Dans la rivière de feu (Phlegethon), languissent les sans-loi qui se sont permis la violence, au lieu de défendre chevaleresquement le bien - le châtiment du mal par un mal égal, pour une autosatisfaction violente - avec le feu éternel et inextinguible des désirs passionnés. Dans la sphère inférieure de l'enfer, Cocyte coule à gouttes en murmurant sourd ; l'humanité se fige dans sa glace. Dans les profondeurs de la glace, à côté d'un ange privé du ciel pour égoïsme, le poète trouve des traîtres à la patrie et entre eux Carlino, qui a trahi Piano aux Pisans, et Bocca degli Abbati, responsable de la défaite des " blancs» en 1304. Le symbole du pécheur égoïste, Lucifer, qui abusa de l'esprit divin contre Dieu, constitue le point le plus profond de l'enfer. D'elle, le chemin du repentir monte, puisque la vue de Lucifer et de tout ce qui l'entoure éveille des sentiments de profond repentir dans l'âme.

Analyse d'Hamlet de Shakespeare

La tragédie "Hamlet" de William Shakespeare dépeint un nouveau type de héros à cette époque : le héros humaniste. Au fur et à mesure que le travail progresse, Hamlet tente de résoudre des problèmes moraux et éthiques complexes et de découvrir la vérité. Il accomplit ses actions sur la base de réflexions philosophiques.

L'une des principales questions morales et philosophiques qui préoccupent Hamlet est le problème de la vengeance. Se venger du meurtrier de son père, punir le mal et ainsi prolonger la chaîne des atrocités ? Ou se réconcilier, endurer et pardonner ? Vaut-il la peine de se défendre contre les coups du sort ? A la fin de l'ouvrage, Hamlet arrive à la conclusion qu'il est impossible de supporter le mal indéfiniment. Mais l’humanité n’a toujours pas de réponse claire à cette éternelle question.

Les motifs du mystère de la vie et de l'énigme de la mort concernent également Hamlet. "Être ou ne pas être?" - il se pose cette fameuse question dans un monologue. Qu’est-ce que la vie et qu’est-ce qui attend les gens en dehors d’elle ? Rêve? Ou quelque chose de différent ? Comment se fait-il qu’un seul coup de poignard puisse effacer à jamais le monde entier d’une personne avec ses sentiments et ses expériences ? Ou est-ce impossible ? Sur la tombe du bouffon Yorick, Hamlet se demande où va la gloire terrestre : l'arrogance des courtisans, la servilité pointilleuse des serviteurs, la valeur militaire des généraux, la beauté des dames du monde.

Un autre motif moral et philosophique de l'œuvre est la réflexion sur la loyauté et le dévouement. Hamlet réfléchit à son dévouement envers son père. Il est profondément frappé par le mariage imminent de sa mère avec le frère de son défunt mari : « les rougeurs des larmes n'ont pas encore quitté les paupières, les bottes dans lesquelles elle accompagnait le cercueil de son père sont encore intactes » : « Oh, les femmes, ton nom est trahison ! Hamlet réfléchit à la façon dont les gens dans la société sont « sans valeur, plats et stupides » dans leur désir de gain brut.

La tragédie "Hamlet" a été écrite par Shakespeare à la Renaissance. L'idée principale de la Renaissance était l'idée d'humanisme, d'humanité, c'est-à-dire la valeur de chaque personne, de chaque vie humaine en elle-même. La Renaissance (Renaissance) a été la première à établir l'idée qu'une personne a droit au choix personnel et au libre arbitre personnel. Après tout, auparavant, seule la volonté de Dieu était reconnue. Une autre idée très importante de la Renaissance était la croyance dans les grandes capacités de l'esprit humain.

L’art et la littérature de la Renaissance émergent du pouvoir illimité de l’Église, de ses dogmes et de sa censure, et commencent à réfléchir sur les « thèmes éternels de l’existence » : sur les mystères de la vie et de la mort. Pour la première fois, le problème du choix se pose : comment se comporter dans certaines situations, qu'est-ce qui est correct du point de vue de l'esprit humain et de la moralité ? Après tout, les gens ne se contentent plus des réponses toutes faites issues de la religion.

Hamlet, prince du Danemark, est devenu le héros littéraire d'une nouvelle génération à la Renaissance. En sa personne, Shakespeare affirme l’idéal de la Renaissance d’un homme doté d’un esprit puissant et d’une forte volonté. Hamlet est capable de sortir seul pour combattre le mal. Le héros de la Renaissance s'efforce de changer le monde, de l'influencer et se sent la force de le faire. Avant Shakespeare, des héros de cette ampleur n’existaient pas dans la littérature. Par conséquent, l’histoire d’Hamlet est devenue une « percée » dans le contenu idéologique de la littérature européenne.

"Roméo et Juliette", une analyse artistique de la tragédie de William Shakespeare

L'histoire de la création de la tragédie mondialement connue de Shakespeare est enracinée dans les contes populaires sur deux amants italiens et leurs adaptations artistiques parus dans la littérature italienne (Luigi de Porto, « L'histoire nouvellement découverte de deux nobles amants et de leur triste mort, Ce qui s'est produit à Vérone à l'époque du signor Bartolomeo della Scalo", 1524 ; Matteo Bandello "Quatre livres de romans", 1554 ; Luigi Groto "Adriana", 1578) tout au long du XVIe siècle. L’intrigue de la pièce a été développée par un dramaturge anglais sur la base du poème d’Arthur Brooke « L’histoire tragique de Romeus et Juliette », 1562). Le titre original de l’œuvre, datant de 1593-1596 (l’heure exacte de la naissance de la pièce ne peut être déterminée), était « La plus excellente et la plus triste tragédie de Roméo et Juliette ».

Le genre de l'œuvre - la tragédie - est établi conformément aux traditions littéraires de la Renaissance et est déterminé par une fin malheureuse (la mort des personnages principaux). Composée de cinq actes, la pièce s'ouvre sur un prologue qui résume brièvement l'intrigue de Roméo et Juliette.

La composition de la tragédie au niveau de l'intrigue a une structure symétrique. Dans le premier acte, il y a un affrontement entre les serviteurs des Capulets et des Montaigu, puis entre les neveux de ces derniers - Tybalt et Benvolio, puis les chefs des familles en guerre, le prince de Vérone et Roméo, apparaissent sur scène. Dans le troisième acte, l'affrontement entre les Capulets et les Montaigu se répète : cette fois le parent et ami du prince Roméo - Mercutio et Tybalt et Tybalt et Roméo - sont impliqués dans le combat. L'issue du premier duel est la mort de Mercutio, l'issue du second est la mort de Tybalt. L'affrontement se termine avec l'apparition sur scène des époux Capulet et Montague, puis le prince prend la décision qui serait fatale pour Roméo de l'expulser de Vérone. Le cinquième acte ramène à nouveau l'intrigue au cours habituel du duel : cette fois la bataille a lieu entre Pâris (un parent du prince, le mari supposé de Juliette, c'est-à-dire un Capulet potentiel) et Roméo. Paris meurt aux mains de Roméo, Roméo se tue empoisonné sous l'influence de circonstances insurmontables que lui impose la volonté du père de Juliette. Le cinquième acte et toute la tragédie se terminent par l'apparition sur scène des Capulets, des Montaigu et du prince, la réconciliation des familles et les retrouvailles posthumes de Roméo et Juliette - sous la forme de statues dorées côte à côte.

Les deuxième et quatrième actes de la pièce sont consacrés au développement de la ligne amoureuse : au deuxième acte, Roméo et Juliette sont expliqués et préparés pour le mariage, au quatrième, Juliette, essayant d'éviter de se remarier, prend le terrible chemin de retrouvailles avec son mari bien-aimé. La mort de la jeune fille à la fin de l'œuvre semble naturelle tant du point de vue des normes historiques que du point de vue de la passion inhérente aux jeunes héros de la tragédie : Juliette ne pourrait pas vivre sans Roméo, si Roméo était partie, Juliette était partie.

La mort des enfants (Roméo et Juliette) - successeurs des traditions familiales des Montaigu et des Capulets - marque un point décisif dans le conflit des familles véronaises en guerre, tant sur le plan de l'intrigue que sur le plan moral.

L'idée principale de la pièce est d'affirmer les nouvelles valeurs morales inhérentes à l'homme de la Renaissance. Les héros, guidés dans leurs sentiments par la passion, dépassent le cadre habituel des traditions : Roméo décide d'un mariage secret, Juliette ne prétend pas être une femme timide, et tous deux sont prêts à aller contre la volonté de leurs parents et la société pour être ensemble. L'amour de Roméo et Juliette n'a pas de barrières : ils n'ont peur ni de la vie avec son côté sensuel ni de la mort.

L'image artistique de Juliette est évolutivement plus changeante que l'image de son amant. Contrairement à Roméo de vingt ans, qui a déjà connu la passion en la personne de l'inaccessible Rosaline et poursuit sa relation avec le jeune Capulet, Juliette de quatorze ans avance dans ses sentiments presque par le toucher, guidée uniquement par ce qui son cœur lui dit. La jeune fille a peur de la confession d'amour exprimée, de la nuit de noces, du sombre tombeau familial. Ayant appris la mort de son cousin Tybalt, elle en accuse d'abord Roméo, mais se ressaisit rapidement, a honte de sa trahison instantanée et prend le parti de son mari dans ce conflit. Les hésitations de Juliette sont dues à son jeune âge, à son manque de expérience de la vie, douce nature féminine. La passion violente et l'essence masculine de Roméo ne lui permettent de douter d'aucune de ses actions.

Une vision du monde particulière, caractéristique de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance, combinant traditions chrétiennes et païennes, se reflète dans la tragédie de Shakespeare dans les images artistiques du frère Lorenzo et des rituels qu'il accomplit (confession, mariage, enterrement) et de Mercutio, qui raconte à Roméo le histoire de la reine des fées et des elfes - Mab. L'ascétisme religieux et l'exubérance païenne de la vie se sont également manifestés dans le changement brutal d'humeur de la famille Capulet - des funérailles, dues à la mort du neveu de Tybalt, au mariage, en relation avec le prétendu mariage de Juliette. Le père de la jeune fille ne voit rien de mal à marier sa fille après trois joursà partir du moment du décès d'un cousin : pour cette période de l'histoire, une telle précipitation est normale, car elle permet de ne pas trop s'affliger de l'irréparable.

La composante culturelle de l'époque s'exprimait dans la description de coutumes telles que l'arrivée d'invités non invités mais familiers à l'hôte de la fête, des invités masqués (Roméo avec des amis dans la maison Capulet), un défi de duel en se rongeant les ongles. pouce(l'image de Samson - l'un des serviteurs Capulet), l'arrivée du marié chez la mariée le jour du mariage afin de réveiller sa fiancée (l'entrée de Paris dans la maison Capulet), l'adoption de l'image d'un relayeur par le invité qui ne veut pas danser pendant le bal (Roméo, amoureux de Rosaline, ne voulant pas s'amuser entre amis).

La base tragique de « Roméo et Juliette » n’empêche pas l’inclusion dans le tissu narratif d’éléments comiques associés aux plaisanteries prosaïques (le langage principal de la tragédie est poétique) de la nourrice de Mercutio et Juliette. La différence sociale entre les personnages détermine le thème de leurs plaisanteries : le noble ami Roméo ne s'abaisse pas à l'humour populaire, tandis que la nounou du jeune Capulet évoque avec enthousiasme un incident anecdotique de l'enfance de son élève, qui a un caractère franchement intime (Juliet, qui se frappe le visage, répond hardiment au mari de l'infirmière que lorsqu'elle sera grande, elle ne fera que tomber sur le dos).

Don Quichotte : analyse de l'œuvre

Le héros du roman « Don Quichotte » vit pour des idéaux. Ce sont les idéaux chevaleresques de noblesse, d'honneur et de courage, qu'il a lu dans les livres. Don Quichotte devient un chevalier errant et, sur son chemin, s'efforce de protéger les faibles et les opprimés et de combattre l'ennemi.

Le problème du Don Quichotte de Cervantes réside dans la contradiction entre les idéaux chevaleresques de Don Quichotte et la réalité, qui n'est pas du tout idéale. Ayant lu des romans chevaleresques, personnage principal selle son cheval et part combattre le mal. L'imagination de Don Quichotte transforme le bourrin en cheval de guerre Rossinante, et de la jeune fille du village en la belle et noble dame Dulcinée, à qui il consacre ses « actes » chevaleresques. Le fermier Sancho Panza devient l'écuyer du chevalier.

L'imagination de Don Quichotte soutient obstinément sa belle illusion chevaleresque. Il imagine que la dame de son cœur vit dans un palais, car c’est la seule manière d’être une belle femme. Don Quichotte croit à la véracité des romans chevaleresques ; il ne lui viendrait même pas à l'esprit qu'il s'agit de fiction.

Mais le monde idéal auquel croit Don Quichotte n’existe pas en réalité. Mais la réalité démontre une discorde globale avec l’idéal. Le lecteur voit que la réalité n’est pas comme le beau conte de fées du chevalier et que le vieil homme lui-même n’est, hélas, pas du tout un puissant héros. Don Quichotte voit un château dans son imagination, mais en réalité c'est auberge. Il se précipite pour combattre les géants, et le lecteur voit qu'en fait ce ne sont que des moulins. D’où le slogan : « combattre les usines ».

Don Quichotte essaie de protéger les malheureux, mais cela s'avère encore pire. Ainsi, le garçon du village, pour lequel Don Quichotte a défendu, a ensuite reçu encore plus de coups de la part de son propriétaire. Le garçon finit par maudire tous les chevaliers errants. Les forçats libérés par Don Quichotte, au lieu de gratitude, lui jetèrent des pierres ainsi qu'à Sancho. Don Quichotte imagine qu'il rencontre un autre chevalier errant et lui enlève son bouclier de cuivre, mais en réalité cet homme est un barbier qui s'est couvert la tête d'une bassine de cuivre sous la pluie.

Le monde du livre ne parle pas d'argent, des problèmes quotidiens, du froid et de la faim qui attendent le voyageur sur son chemin. Mais dès les premiers pas, Don Quichotte et son fidèle écuyer Sancho Panza doivent affronter le dur monde matériel.

Le seul endroit où le monde idéal de la chevalerie est censé renaître est le château ducal. Mais ses habitants étaient tout simplement trop emportés par les farces, les canulars et les plaisanteries.

Le conflit entre idéal et réalité dans le roman « Don Quichotte » réside dans le fait que les tentatives du protagoniste pour faire le bien et établir la justice échouent. Ce romantique « n’est pas un guerrier seul sur le terrain ». Le chevalier errant solitaire Don Quichotte, même avec les meilleures intentions, sans même s'asseoir et essayer de le faire Bonnes actions, rien ne peut changer pour le mieux dans le monde qui nous entoure.

Quichotte est une parodie d'un chevalier, et le roman de Cervantes est une parodie pleine d'esprit et pertinente des romans chevaleresques. Le héros est souvent drôle, le lecteur le plaint. L'image de Don Quichotte est une image « éternelle ». Cela reflète le désir altruiste d’une personne de défendre la bonté et la justice, de professer des idéaux nobles et élevés – ce qu’on appelle le « quichotisme ». Pour le bien de ses idéaux, le héros fait preuve d'un grand courage, il est capable de se sacrifier. Cela impose un réel respect.

"Notre-Dame de Paris", une analyse artistique du roman de Victor Hugo

L’idée du roman « Notre Dame de Paris » est née chez Hugo au début des années 20 et a finalement été formulée au milieu de 1828. Les conditions préalables à la création d'une œuvre historique étaient des processus culturels naturels qui se sont déroulés dans le premier tiers du XIXe siècle en France : la popularité des thèmes historiques dans la littérature, l'attrait des écrivains pour l'atmosphère romantique du Moyen Âge et la lutte publique pour la protection des monuments architecturaux anciens, à laquelle Hugo participa directement. C'est pourquoi on peut dire que l'un des personnages principaux du roman, avec la gitane Esmeralda, le sonneur Quasimodo, l'archidiacre Claude Frollo, le capitaine des fusiliers royaux Phoebus de Chateaupert et le poète Pierre Gringoire, est Notre Dame. La cathédrale elle-même est la scène principale de l'action et le témoin invisible des événements clés de l'œuvre.

En travaillant sur le livre, Victor Hugo s'est appuyé sur l'expérience littéraire de Walter Scott, maître reconnu du roman historique. Dans le même temps, le classique français comprenait déjà que la société avait besoin de quelque chose de plus dynamique que ce que son collègue anglais, opérant avec des personnages typiques et des événements historiques, pouvait offrir. Selon Victor Hugo, il aurait dû être «... à la fois un roman, un drame et une épopée, certes pittoresque, mais à la fois poétique, réel, mais à la fois idéal, véridique, mais à la fois majestueux" (revue "French Muse", 1823).

« Notre Dame de Paris » est devenu exactement le roman dont rêvait l'écrivain français. Il combine les caractéristiques de l'épopée historique, du drame romantique et roman psychologique, racontant au lecteur un incroyable confidentialité différentes personnes, sur fond de contexte spécifique événements historiques XVe siècle.

Le chronotope du roman, organisé autour de la Cathédrale Notre-Dame de Paris - monument architectural unique mêlant les traits de l'architecture romane et gothique - comprend les rues, places et quartiers parisiens qui s'y dispersent dans toutes les directions (Cathédrale et Place de Grève, Cité, Université, Ville, « Cour des Miracles », etc.). Paris dans le roman devient une continuation naturelle de la cathédrale, dominant la ville et protégeant sa vie spirituelle et sociale.

La cathédrale Notre-Dame, comme la plupart des monuments architecturaux anciens, selon Hugo, est la Parole incarnée dans la pierre - la seule force de retenue pour le peuple parisien grossier et sans instruction. L'autorité spirituelle de l'Église catholique est si grande qu'elle se transforme facilement en refuge pour Esmeralda, accusée de sorcellerie. L'inviolabilité du temple de la Mère de Dieu n'est violée par les archers royaux que sur ordre de Louis XI, qui a demandé la permission de prier pour cet acte à sa patronne céleste et a promis de lui apporter une belle statue en argent en cadeau. Au roi de France il n'a rien à voir avec Esméralda : il ne s'intéresse qu'à la révolte de la foule parisienne qui, de l'avis de Louis XI, a décidé d'enlever la sorcière de la cathédrale pour la mettre à mort. Le fait que les gens s'efforcent de libérer leur sœur et de s'enrichir aux dépens des richesses de l'Église ne vient à l'esprit ni du roi ni de son entourage, ce qui est une excellente illustration de l'isolement politique des autorités par rapport au peuple et du manque de compréhension de leurs besoins.

Les personnages principaux du roman sont étroitement liés les uns aux autres non seulement par le thème central de l'amour, mais aussi par leur appartenance à la cathédrale Notre-Dame de Paris : Claude Frollo est l'archidiacre du temple, Quasimodo est un sonneur de cloches, Pierre Gringoire est l'élève de Claude Frollo, Esmeralda est une danseuse se produisant sur la place de la Cathédrale, Phoebus de Chateaupert est le marié de Fleur-de-Lys de Gondelaurier, qui vit dans une maison dont les fenêtres donnent sur la cathédrale.

Au niveau des relations humaines, les personnages se croisent à travers Esmeralda, dont l'image artistique constitue l'intrigue de tout le roman. La belle gitane de la Cathédrale Notre-Dame attire tous les regards : les parisiens aiment la regarder danser et faire des tours avec la chèvre blanche comme neige Djali, la foule locale (voleurs, prostituées, mendiants imaginaires et estropiés) la vénère autant que la Mère de Dieu. Dieu, le poète Pierre Gringoire et le capitaine des tirailleurs royaux Phoebus éprouvent une attirance physique pour elle, le curé Claude Frollo a un désir passionné, Quasimodo a l'amour.

Esmeralda elle-même - une enfant vierge, pure, naïve - donne son cœur à Phoebus, extérieurement beau, mais intérieurement laid. L'amour de la jeune fille dans le roman naît de la gratitude pour le salut et se fige dans un état de foi aveugle en son amant. Esmeralda est tellement aveuglée par l'amour qu'elle est prête à se blâmer pour la froideur de Phoebus, après avoir avoué sous la torture le meurtre du capitaine.

Le jeune et beau Phoebus de Chateaupert n'est un homme noble qu'en compagnie des dames. Seul avec Esmeralda - c'est un séducteur fourbe, en compagnie de Jehan le Meunier (le frère cadet de Claude Frollo) - c'est un bel homme grossier et un buveur. Phoebus lui-même est un Don Juan ordinaire, courageux au combat, mais lâche lorsqu'il s'agit de sa réputation. L'exact opposé de Phoebus dans le roman est Pierre Gringoire. Malgré le fait que ses sentiments pour Esmeralda ne soient pas particulièrement sublimes, il trouve la force de reconnaître la fille comme une sœur plutôt que comme une épouse, et au fil du temps, de tomber amoureux d'elle non pas tant en tant que femme, mais en tant que personne. .

Le sonneur de cloches inhabituellement terrible de la cathédrale Notre-Dame voit la personnalité d'Esmeralda. Contrairement aux autres héros, il ne prête attention à la jeune fille qu'au moment où elle s'inquiète pour lui en donnant de l'eau à Quasimodo debout au pilori. Ce n’est qu’après avoir appris à connaître l’âme bienveillante de la gitane que le monstre voûté commence à remarquer sa beauté physique. Quasimodo expérimente assez courageusement la divergence extérieure entre lui et Esmeralda : il aime tellement la fille qu'il est prêt à tout faire pour elle - ne pas se montrer, amener un autre homme, la protéger d'une foule en colère.

L'archidiacre Claude Frollo est le personnage le plus tragique du roman. Le volet psychologique de « Notre Dame de Paris » y est lié. Un prêtre bien éduqué, juste et aimant Dieu, tombant amoureux, se transforme en un véritable diable. Il veut à tout prix conquérir l'amour d'Esmeralda. Il y a en lui une lutte constante entre le bien et le mal. L'archidiacre soit implore l'amour de la gitane, puis essaie de la prendre de force, puis la sauve de la mort, puis il la remet lui-même entre les mains du bourreau. Une passion qui ne trouve pas d'exutoire finit par tuer Claude lui-même.

« Madame Bovary", une analyse artistique du roman de Gustave Flaubert

Le roman « Madame Bovary » est basé sur l'histoire réelle de la famille Delamare, racontée à Flaubert par son ami, le poète et dramaturge Louis Bouillet. Eugène Delamare, médecin médiocre originaire d'une lointaine province française, marié d'abord à une veuve puis à une jeune fille, devient le prototype de Charles Bovary. Sa seconde épouse, Delphine Couturier, languissant dans l'ennui bourgeois, dépensant tout son argent en vêtements coûteux et en amants et se suicidant, constitue la base de l'image artistique d'Emma Rouault/Bovary. En même temps, Flaubert a toujours souligné que son roman est loin d'être un récit documentaire histoire vraie et parfois il disait même que Madame Bovary n'a pas de prototype, et si elle en a, c'est l'écrivain lui-même.

Cinq longues années se sont écoulées depuis la naissance de l'idée jusqu'à la publication de l'ouvrage. Pendant tout ce temps, Flaubert a soigneusement travaillé sur le texte du roman, qui comptait à l'origine mille pages et a été réduit à quatre cents. Dans Madame Bovary, comme dans aucune autre œuvre du classique français, son style artistique unique se manifeste, composé de laconisme, de clarté d'expression de la pensée et d'extrême précision des mots. Travailler sur le roman n'a pas été facile pour Flaubert. D'une part, il lui était désagréable d'écrire sur la vie vulgaire du bourgeois moyen, de l'autre, il essayait de le faire du mieux possible afin de montrer au lecteur tous les tenants et aboutissants de la vie bourgeoise provinciale.

Les problèmes artistiques du roman sont étroitement liés à l'image du personnage principal, Emma Bovary, qui incarne le conflit romantique classique constitué du désir d'un idéal et du rejet de la réalité basse. Le bouleversement mental de la jeune femme, quant à lui, se déroule dans un contexte purement réaliste et n’a rien de commun avec les positions exaltées du passé. Elle-même, « malgré tout son enthousiasme », était de nature « rationnelle » : « à l'église, elle aimait avant tout les fleurs, en musique - les paroles des romans, dans les livres l'excitation des passions... ». "Le plaisir sensuel du luxe s'identifiait dans son imagination enflammée aux joies spirituelles, la grâce des manières à la subtilité des expériences."

Emma, ​​​​qui a reçu une éducation féminine standard au monastère des Ursulines, a été attirée par quelque chose d'inhabituel toute sa vie, mais à chaque fois elle est confrontée à la vulgarité du monde qui l'entoure. La première déception s'abat sur la jeune fille immédiatement après le mariage, lorsqu'au lieu de vacances romantiques à la lumière des torches, elle reçoit un festin de fermier, au lieu d'une lune de miel - des soucis quotidiens pour aménager une nouvelle maison, au lieu d'une carrière majestueuse et intelligente - je cherche un mari - gentil, rien qu'elle, une personne intéressée, une personne aux manières laides. Une invitation fortuite à un bal au château de Vaubiesard devient écrasante pour Emma : elle se rend compte à quel point elle est mécontente de sa vie, tombe dans la dépression et ne reprend ses esprits qu'après avoir déménagé à Yonville.

La maternité n'apporte pas de joie au personnage principal. Au lieu du fils tant attendu, Emma donne naissance à une fille. Elle ne peut pas acheter la dot des enfants désirés faute de fonds. La fille, comme son père, a une apparence ordinaire. Emma nomme sa fille Bertha - en l'honneur d'une femme inconnue du bal de Vaubiesard - et l'oublie pratiquement. L'amour pour sa fille dans Madame Bovary se réveille avec les vaines tentatives d'aimer son mari, qu'elle fait tout au long du roman, ayant été déçue par l'une ou l'autre de ses passions.

Les premiers amours d'Emma pour le notaire, le jeune homme blond Léon Dupuis, se transforment en une relation platonique pleine d'émotions. Madame Bovary ne se rend pas immédiatement compte de ce qui se passe entre elle et le jeune homme, mais, s'en rendant compte, elle lutte pour rester au sein de la famille et de la moralité publique. En public, elle « était très triste et très calme, très douce et en même temps très réservée. Les ménagères admiraient sa prudence, les patients admiraient sa courtoisie, les pauvres admiraient sa cordialité. Et pourtant, elle était pleine de convoitises, de désirs furieux et de haine. À ce stade de sa vie, Emma est empêchée de tricher par la « léthargie mentale » et l’inexpérience de Léon.

Après le départ du jeune homme, tourmenté par un amour non partagé, pour Paris, Madame Bovary replonge dans la mélancolie, dont elle est tirée par une nouvelle passion déjà bien adulte sous la forme de son premier amant de sa vie, Rodolphe Boulanger. Emma voit un bel homme dans la personne de trente-quatre ans héros romantique, tandis que le riche propriétaire terrien perçoit la femme comme une simple maîtresse parmi d'autres. Madame Bovary a assez d'amour sublime pendant six mois, après quoi sa relation avec Rodolphe se transforme en statut « familial ». Dans le même temps, Emma perçoit si douloureusement la rupture avec un homme que, comme il sied à toutes les héroïnes romantiques, elle manque de mourir d'une fièvre nerveuse.

La dernière étape du déclin spirituel d'Emma se produit avec son deuxième amant, son premier bien-aimé - Léon Dupuis. Les héros, rencontrés quelques années plus tard, possèdent déjà la promiscuité nécessaire pour créer un couple provisoire et n'éprouvent aucun remords face à ce qui arrive. Au contraire, Emma et Léon profitent tous deux de leur amour, mais le font jusqu'à ce qu'une nouvelle satiété s'installe.

Les amours de Madame Bovary passent inaperçues auprès de son mari. Charles idolâtre sa femme et lui fait aveuglément confiance en tout. Étant heureux avec Emma, ​​​​il ne s'intéresse pas du tout à ce qu'elle ressent, si elle se sent bien, si tout lui convient dans la vie ? Cela exaspère Madame Bovary. Peut-être que si Charles avait été plus attentif, elle aurait pu établir une bonne relation, mais chaque fois qu'elle essaie de trouver quelque chose de positif en lui, il la déçoit invariablement - avec son insensibilité spirituelle, son impuissance médicale, même son chagrin qui s'est abattu sur lui après la mort de son père.

Confuse au sujet des sentiments, Emma l'est également au sujet de l'argent. Au début, elle achète des choses pour elle-même - pour s'amuser, se calmer, se rapprocher de belle vie; puis il commence à offrir des cadeaux aux amoureux, à installer son nid d'amour à Rouen et à dilapider son argent en plaisirs sensuels. L'effondrement financier conduit Emma à l'effondrement spirituel. Elle ressent de toute son âme la supériorité morale de son mari, et quitte volontairement une vie dans laquelle elle n'a jamais trouvé le bonheur. Charles pardonne à sa femme la trahison et la perte de fortune. Il l'aime malgré tout et meurt après elle, car il ne peut pas vivre sans elle.

"Idiot", analyse du roman

"Idiot", analyse du roman

Le roman « L'Idiot » est devenu la concrétisation des idées créatives de longue date de F.M. Dostoïevski, son personnage principal, le prince Lev Nikolaïevitch Mychkine, selon le jugement de l'auteur, est « une personne vraiment merveilleuse », il est l'incarnation de la bonté et de la moralité chrétienne. Et c’est précisément à cause de son altruisme, de sa gentillesse et de son honnêteté, de son extraordinaire amour de l’humanité dans le monde de l’argent et de l’hypocrisie que son entourage traite Mychkine d’« idiot ». Prince Mychkine la plupart Il a passé sa vie en retrait ; lorsqu'il sortait dans le monde, il ne savait pas à quelles horreurs d'inhumanité et de cruauté il aurait à faire face. Lev Nikolaïevitch remplit symboliquement la mission de Jésus-Christ et, comme lui, périt en aimant et en pardonnant l'humanité. Tout comme le Christ, le prince, essaie d'aider tous les gens qui l'entourent, il essaierait apparemment de guérir leurs âmes grâce à sa gentillesse et à son incroyable perspicacité.

L'image du prince Myshkin est au centre de la composition du roman, tout le monde est lié à lui. scénarios et des héros : la famille du général Epanchin, le marchand Rogozhin, Nastasya Filippovna, Ganya Ivolgin, etc. Et aussi le centre du roman est le contraste frappant entre la vertu de Lev Nikolaevich Myshkin et le mode de vie habituel de la société laïque. Dostoïevski a pu montrer que même pour les héros eux-mêmes, ce contraste semble terrifiant : ils ne comprenaient pas cette gentillesse sans limites et en avaient donc peur.

Le roman est rempli de symboles, ici le prince Myshkin symbolise l'amour chrétien, Nastasya Filippovna - la beauté. Le tableau «Le Christ mort» a un caractère symbolique à la contemplation duquel, selon le prince Myshkin, on peut perdre la foi.

Le manque de foi et de spiritualité devient la cause de la tragédie survenue à la fin du roman, dont le sens est évalué différemment. L’auteur se concentre sur le fait que la beauté physique et mentale périra dans un monde qui ne place que l’intérêt personnel et le profit dans l’absolu.

L’écrivain a astucieusement remarqué la croissance de l’individualisme et de l’idéologie du « napoléonisme ». Tout en adhérant aux idées de liberté individuelle, il croyait en même temps qu'une volonté personnelle illimitée conduisait à des actes inhumains. Dostoïevski considérait le crime comme la manifestation la plus typique de l’affirmation de soi individualiste. Il considérait le mouvement révolutionnaire de son époque comme une rébellion anarchiste. Dans son roman, il a non seulement créé une image d'une bonté impeccable égale à celle biblique, mais a également montré le développement des personnages de tous les personnages du roman qui ont interagi avec Myshkin pour le mieux.

Analyse du roman "Shagreen Skin"

Illustration pour le roman "Peau de Galuchat"

En 1831, paraît le roman « Peau de Galuchat », qui fait la renommée d'Honoré de Balzac. Le galuchat - la peau fantastique d'un âne onagre - est devenu dans l'imagination des lecteurs le même symbole que les images de contes de fées de la vie et eau morte. Des éléments fantastiques étaient entrelacés avec une histoire réaliste sur le jeune scientifique Raphaël, qui a tenté de mener des expériences, surmontant ses défauts. Poussé dans une impasse, le jeune homme décide de se suicider, mais il est sauvé par un mystérieux antiquaire qui lui donne du cuir de galuchat. L'inscription sur la peau magique était faite en sanscrit, ce qui expliquait que tous les souhaits de son propriétaire seraient exaucés, mais qu'à chaque souhait exaucé, la peau diminuerait, tout comme la vie de cette personne. Raphaël est étonnamment enrichi, mais en même temps la taille de sa peau diminue rapidement. Conscient de la menace d'une mort imminente, Raphaël tente de se débarrasser de la peau ou de l'étirer, mais toutes ses tentatives sont inutiles. Finalement, il tombe malade. Ni les médecins ni son épouse bien-aimée ne peuvent l'aider. Raphaël s'enfuit de la ville loin de l'attrait des tentations, mais il ne peut pas se débarrasser de tous les désirs, donc la peau devient de plus en plus petite, et lorsqu'elle disparaît complètement, son propriétaire meurt.

Ce roman philosophique de Balzac a acquis une énorme popularité, car il a attiré les lecteurs parce que l'intrigue romantique traditionnelle était étroitement liée à l'intrigue moderne de la riche vie sociale de Paris. Même si ce n’était pas une simple combinaison de réalisme et de romantisme. La fiction romantique dans une œuvre peut toujours avoir une interprétation réelle, de sorte que l'histoire avec la peau peut être considérée comme l'illusion du héros. Après tout, ses désirs sont réellement exaucés, comme sans l'influence de la magie de la peau. Il voulait s'amuser à la fête - puis ses amis l'invitent immédiatement à la soirée d'ouverture nouveau journal. Rafael souhaitait de l'argent - et il reçoit de manière inattendue un énorme héritage de ses proches. Mais la taille de la peau diminue également.

Le sens philosophique du roman réside dans les oppositions « désirer » et « pouvoir ». Leur confrontation est révélée à Raphaël au début du roman par un vieil antiquaire. Lui-même choisit la troisième occasion de « savoir ». Ayant abandonné les passions qui raccourcissent la vie d'une personne, l'antiquaire a longtemps apaisé toutes les émotions en lui, vit et se réjouit d'avoir appris la vérité. Raphaël, ayant pris possession de la peau, souhaite que le vieil homme tombe amoureux de la danseuse. Le souhait se réalise, et dans le final on voit un drôle de grand-père amoureux. Balzac ridiculise les philosophes sûrs d'eux qui croient avoir compris le sens de la vie.

La seule fois où la peau n'a pas rétréci après le désir exprimé : lorsque Rafael rêvait passionnément de l'amour de Polina. Mais elle l'avait aimé auparavant, et la peau n'avait pas à interférer avec leurs sentiments. Autrement dit, la seule chose qui n'est pas soumise aux lois de la vie est un sentiment d'amour sincère, capable de résister à la mort. Le dernier souhait de Raphaël – mourir dans les bras de sa bien-aimée – est également exaucé. Dans le roman, Polina contraste avec le froid et cruel Fiodor, qui, pour sa propre tranquillité d'esprit, refuse l'amour et les enfants.

Balzac expose le principal défaut de son contemporain : l'égoïsme. Le développement de ce trait négatif a été facilité par l'époque napoléonienne, où ce n'était pas l'origine, mais avant tout les qualités individuelles d'une personne qui décidait de son destin et de sa carrière. Inconvénient l'individualisme en tant qu'initiative personnelle est devenu l'égoïsme. « Raphaël pouvait tout faire, mais il n'accomplissait rien », car il ne voulait le bonheur et la richesse que pour lui-même.

L'image de Raphaël Valentin ouvre la galerie des jeunes ambitieux de Balzac qui, perdant leurs illusions dans monde cruel, changent peu à peu leurs orientations morales et se transforment en carriéristes égoïstes (Rastignac) ou meurent (Lucien de Rubempré).

Dans "Peau de Galuchat", Balzac aborde de nombreux thèmes qu'il développera plus tard dans "La Comédie humaine". Ce thème de la richesse criminelle s'incarne artistiquement dans l'histoire du banquier Taillefer (l'histoire « L'Auberge Rouge »). C'est le thème de « la splendeur et la pauvreté des courtisanes », que je dévoilerai également dans l'histoire d'Aniline. C’est le sujet du journalisme parisien corrompu et bien plus encore. Le roman met en scène des scientifiques et des médecins, des nobles parisiens et des ouvriers ruraux, qui apparaissent à plusieurs reprises dans les pages de La Comédie humaine.

Le roman « Peau de Galuchat » ouvre à Balzac les portes des salons littéraires et aristocratiques et lui permet de vivre en grand.

L'écrivain a reçu de nombreux courriers de lecteurs. Une mystérieuse étrangère lui a écrit depuis la Pologne. Elle a analysé le roman "Shagreen Skin" pas pire critique littéraire. Ses réflexions sur l'art intéressèrent l'écrivain et une correspondance commença qui dura de nombreuses années. L'étranger s'est avéré être une riche aristocrate polonaise, Evelina Ganskaya, qui vivait avec son mari non loin de Berdichev dans le domaine de Verkhivnya. Son mari était un riche propriétaire terrien, noble, mais très malade et beaucoup plus âgé que sa femme. Evelina n'a pas reçu le bonheur familial. Balzac la rencontra pour la première fois à l'étranger et, après la mort de son mari, il vint à Verkhovnya, Kiev et Saint-Pétersbourg. Peu de temps avant la mort de Balzac, Ganskaya a accepté de devenir sa femme, même si l'écrivain était déjà en phase terminale et avait d'énormes dettes, qu'Evelina a dû payer sur ses propres fonds.

"Transformation", analyse de l'œuvre

Analyse de l'œuvre « Métamorphose »

Le personnage principal du roman, Gregor Samsa, est le soutien de famille de sa famille, composée de son père, un Pragois complètement en faillite, de sa mère, qui souffre d'asthme, et de sa sœur, Greta. Afin de sauver sa famille de la mendicité, Gregor travaille pour l’un des créanciers de son père comme voyageur de commerce, marchand de draps. Il voyage constamment, mais un jour, pendant une pause entre de tels voyages, il a passé la nuit chez lui, et le matin, à son réveil, un incident s'est produit qui dépassait l'entendement humain. Gregor s'est transformé en scarabée.

« Lorsqu'un matin Gregor Samsa se réveilla d'un sommeil agité, il se retrouva transformé dans son lit en un terrible insecte. Allongé sur son dos dur comme une armure, il aperçut, dès qu'il releva la tête, son ventre brun et convexe, divisé par des écailles arquées, au sommet duquel tenait à peine la couverture, prêt à enfin glisser. Ses nombreuses jambes, pitoyablement maigres par rapport à la taille du reste de son corps, pullulaient impuissantes devant ses yeux.

"Qu'est-ce qu'il m'est arrivé?" - il pensait. Ce n'était pas un rêve."

La nouvelle commence par ces mots.

Mais ce n’était que le début de tous les ennuis. Pire encore. En raison d'une transformation aussi inhabituelle de Gregor en scarabée, il a été licencié de son travail. Naturellement, il ne pouvait plus travailler, subvenir aux besoins de sa famille et rembourser la dette de son père.

Chaque membre de la famille a réagi différemment à la transformation de Gregor. Cela a mis le père en colère ; il ne comprenait pas comment son fils pouvait se trouver dans le corps du scarabée. La mère était très effrayée et bouleversée, mais elle n'a toujours pas perdu ses sentiments maternels et a compris que son fils était dans ce corps. Sœur Greta considérait le scarabée comme dégoûtant, mais malgré cela, elle a pris la responsabilité d'en prendre soin. Il est impossible de dire si c'était par sentiment familial, ou par désir de montrer son indépendance à ses parents, ou peut-être par gratitude envers Greta qui a pris soin du scarabée, mais très probablement, la deuxième option est la plus proche de la vérité. .

La sortie de Gregor dans le salon, alors que tous les membres de la famille et le patron de son travail étaient là, ne doit en aucun cas être considérée comme un défi à la société. D'après les paroles et les pensées de Gregor, on peut comprendre qu'il est une personne dotée d'un sens accru des responsabilités. Le héros a laissé la place aux gens dans son état actuel uniquement parce que, grâce à son sens du devoir et à sa compréhension de l'importance de ses responsabilités envers sa famille et son employeur, il a complètement oublié sa mauvaise santé et sa transformation inhabituelle.

La décision de Gregor de mourir a été influencée par de nombreux facteurs liés à son existence de scarabée...

Premièrement, il était très seul ; sa conscience ne pouvait pas supporter la vie dans un corps d'insecte. Deuxièmement, il ne pouvait plus aider sa famille à joindre les deux bouts financièrement. Troisièmement, et surtout, Gregor Samsa aimait beaucoup sa famille et a passé toute sa vie à se sacrifier pour eux, et maintenant il ne pouvait plus le faire, mais il est devenu un fardeau pour ses parents. Le dernier jour de sa vie, il a entendu sa sœur dire que s'il avait été raisonnable et aimé sa famille, il les aurait quittés et ne serait pas intervenu, Greta a insisté sur sa conscience et Gregor n'a pas pu le supporter.

Gregor s'est probablement transformé en scarabée parce que même lorsqu'il était dans un corps humain, sa vie ressemblait à plus de vie un coléoptère qu'un humain. Il travaillait de manière altruiste, non pas pour lui-même, mais pour le bien de sa famille, ne s'intéressait à rien et se sentait seul. Ou peut-être que cela était nécessaire pour qu'il puisse voir l'ingratitude de sa famille, on ne remarquait pas qu'ils souffraient particulièrement précisément parce que Gregor était malade, mais ils ne se préoccupaient que des problèmes financiers.

Franz Kafka dans sa nouvelle « Métamorphose » a abordé les problèmes du dévouement, du bourreau de travail, Relations familiales. Il a montré qu'en raison de difficultés matérielles, une personne peut perdre complètement son humanité.

"Nausée", analyse du roman de Sartre

La Nausée a été écrite par Jean-Paul Sartre en 1938, lors de son séjour au Havre. Par son genre, cette œuvre appartient au roman philosophique. Il analyse les problèmes classiques inhérents à l'existentialisme comme direction littéraire: la compréhension par le sujet de la catégorie de l'existence et les dispositions (compréhension) qui en résultent de l'absurdité de la vie humaine, de son insignifiance et de sa lourdeur pour la conscience pensante.

Dans sa forme, Nausée est le journal intime de l'historien trentenaire Antoine Roquentin. Dans ce document, le héros décrit soigneusement et en détail sa découverte de la catégorie d'existence du monde qui l'entoure et de lui-même, en tant que partie intégrante. Vivant d'un loyer et engagé dans des recherches historiques, le personnage est épargné par l'écrivain du besoin de travailler, c'est-à-dire de s'immerger dans la société. Antoine Roquentin vit seul. Dans le passé, il entretenait un grand amour avec Annie, une actrice obsédée par la création de « moments parfaits ». Dans le présent, le héros ne fait que s'approcher de la compréhension de ce dont il s'agit. Le temps pour Roquentin est un aspect important de l’existence. Il le ressent comme une série de moments dont chacun mène au suivant. Il ressent l’irréversibilité du temps comme un « sentiment d’aventure » et, dans de tels moments, il se considère comme « le héros d’un roman ». Parfois, Roquentin perçoit le temps comme une vaste substance dans laquelle s'englue la réalité environnante. En regardant les événements qui se déroulent dans le présent, le héros comprend qu'il n'y a et ne peut pas y avoir autre chose que l'heure actuelle : le passé a disparu depuis longtemps et l'avenir n'a plus de sens, car rien d'important ne s'y passe. Mais ce qui effraie le plus Roquentin, ce sont les objets qui l'entourent et son propre corps. A chaque nouvelle entrée, il pénètre plus profondément dans l'essence des choses et se rend compte qu'elles ne sont pas différentes les unes des autres : le banc rouge du tramway pourrait bien être un âne mort, et sa main pourrait être un crabe qui bouge ses pattes. Dès que les objets commencent à perdre leur nom, tout le fardeau de la connaissance repose sur le héros. La Nausée qui s’approche de lui est une « évidence criante » avec laquelle il a du mal à se réconcilier.

La composition du roman se distingue par la logique des épisodes artistiques qui se construisent, se développant vers la finale dans des discussions philosophiques classiques sur l'existence. Le style de « Nausea » est étroitement lié au déroulement général du récit : au début il ressemble à entrées de journal personne ordinaire, se développe ensuite vers le journalisme historique, puis acquiert les caractéristiques d'un style artistique conventionnel (vivant, métaphorique) et se termine par des énoncés philosophiques clairs exprimant les principales conclusions auxquelles est parvenu le personnage principal de l'œuvre :

il se sent superflu et comprend que même la mort ne changera pas cet état, puisque sa chair morte sera tout aussi superflue ;

l'existence - le monde et l'homme - n'a pas de raisons, et est donc dénuée de sens ;

Toute l’horreur de l’existence, c’est qu’elle existe déjà – même ce qui ne veut pas exister existe dans le monde, parce qu’il « ne peut s’empêcher d’exister ».

La prise de conscience par le héros de ces vérités simples se termine par la compréhension de sa solitude, de sa liberté et, par conséquent, de sa mort spirituelle. Roquentin ne croit pas en Dieu, n'appartient pas à la société humaine, et l'amour en la personne d'Annie est à jamais perdu pour lui, puisqu'elle en est venue depuis longtemps à la conclusion qu'il n'y a pas de « moments parfaits » dans le monde, et elle est les « morts-vivants » les plus ordinaires. Les solitaires comme lui ne peuvent rien faire pour aider Roquentin. Ces personnes s'ennuient les unes avec les autres. Avec les solitaires de type autodidacte, le héros n'est tout simplement pas en route, puisqu'il traite les gens avec indifférence : il ne les aime pas, mais il ne les déteste pas non plus. Pour Roquentin, les gens ne sont qu’une autre substance de l’existence.

Le héros trouve une issue à l'état de nausée dans la créativité. En écoutant tout au long du roman un disque ancien avec le chant de la Négresse, Roquentin semble s'élever au-dessus du temps. Selon lui, la musique n’appartient pas à l’existence commune. Elle est en elle-même, comme sentiment, comme émotion, comme impulsion de l'âme. Et c’est grâce à la musique que le héros en vient à l’idée qu’il est possible de surmonter la lourdeur du monde qui l’entoure en écrivant un livre qui montrera aux gens la belle partie de l’existence.